Allison Schulnik Galeri Mark Moore

Allison Schulnik Galeri Mark Moore – Untuk makhluk mitologi gender seperti itu, putri duyung memiliki anatomi khusus tanpa jenis kelamin, setidaknya di bawah pinggul bersisik mereka. Jadi, ketika Allison Schulnik melukis sebuah karya seperti Mermaid with Legs (semua karya dikutip, 2012)—sebuah kanvas besar yang menggambarkan seorang telanjang yang sedang duduk merentangkan kakinya ke penonton—dia memberikan wanita-setengah ini tidak hanya seksualitas mereka tetapi juga kepribadian mereka. Diposisikan serupa , Mermaid with Legs #2 menampilkan sosok yang dikelilingi oleh pola seperti bunga yang memancar di permukaan kanvas. Termasuk dalam pamerannya baru-baru ini “Salty Air,” gambar-gambar ini adalah tipikal dari impastos marjinal, karakter dunia lain yang berwarna-warni oleh Schulnik. Namun, karya ini memperluas bahasa seniman untuk memasukkan kosakata visual yang kurang ajar, semi-feminis/poligender.

Allison Schulnik Galeri Mark Moore

 Baca Juga : 10 Karya Seni Terbaik yang Dilihat di Chelsea Saat Ini

allisonschulnik – Dalam kelompok tiga puluh satu karya ini—keluarga lukisan cat minyak, pahatan, dan karya guas di atas kertas—Schulnik tampaknya merayakan feminitas putri duyung yang berubah bentuk, memberinya tempat kebanggaan di antara sekelompok subjek pelaut: kapten kuyu, pelaut tunggal, krustasea antropomorfik, kepala ikan. Sepanjang, Schulnik memasukkan representasi literal dan simbolis yang tak terhitung jumlahnya dari vagina dan beberapa lingga, dengan beberapa bentuk tampaknya mengandung keduanya sekaligus. kulit #2,misalnya—salah satu dari empat patung keramik porselen yang diletakkan di atas alas di tengah galeri utama (dua lagi telah dipasang di ruang belakang)—menyerupai cangkang kerang cerith yang lebih besar dari aslinya, menjulang seperti menara vertikal. Namun, lubangnya yang berbentuk berlian, yang diselimuti oleh eksterior berwarna alami yang diredam, memperlihatkan glasir merah seperti rahim. Pembukaan merah tua ini digaungkan dalam tujuh kehidupan yang masih mahir dari pengaturan kerang (beberapa bagian paling menarik dalam pertunjukan ini), penuh dengan keong yang dicat tebal — karya yang sarat dengan energi wanita yang cukup untuk menyaingi bahkan entri paling sugestif oleh Judy Chicago atau Georgia O’Keeffe.

Tetapi untuk semua kiasan jasmani yang berbatasan dengan kitsch, “Salty Air” memiliki referensi lain yang sangat tajam: film Disney 1989 The Little Mermaid , yang protagonisnya diberi nama (putri duyung Ariel, Sebastian si lobster, dan Flounder si ikan) dalam judul berbagai karya. Jika Disney mengambil kebebasan dengan kisah asli Hans Christian Andersen, Schulnik melangkah lebih jauh: Lima lukisan Sebastian, misalnya, melibatkan versi artropoda kartun dengan otot besar dan banyak penis abstrak; di Sebastian (Gouache) #4 , makhluk itu telah berubah menjadi bentuk yonic. Dengan desas-desus yang tampaknya telah lama beredar tentang animator Disney menyelipkan lingga yang tegak ke dalam bingkai The Little Mermaid yang hanya sepersekian detik, subteks libidinal ini menjadi semakin pintar. Dan mungkin bukan kebetulan bahwa Schulnik belajar animasi eksperimental di California Institute of the Arts, sekolah yang terkenal ditanggung oleh Walt Disney. Seperti Paul McCarthy dan Wolfgang Stoerchle sebelumnya, Schulnik secara meyakinkan menggunakan karakter kerajaan media fantasi ini untuk melayani gerakan artistik psikoseksual.

Dalam nada yang berbeda, Schulnik juga menyertakan tiga kanvas besar berwarna gelap yang menggambarkan pelaut-pelaut hobolike di antara cincin putri duyungnya di tepi laut. Sementara tipikal subjek berulang artis yang lebih akrab, tipe karakter ini dan cara itu diberikan di sini mengarahkan berbahaya dekat dengan rekapitulasi potret terkenal Sean Landers dari badut pelaut tunggal. Memang, kepahlawanan status pelaut luar itu tampak memukau kedua seniman tersebut. Tapi tidak seperti tanah Landers yang datar dan presisi, Schulnik dibedakan oleh catnya yang longgar dan tebal. Rasa urgensi yang disampaikan oleh fakta ini dan dunia yang gelap dan berlumpur yang diwakili oleh karya-karya ini menambah dimensi besar pada gagasan seniman muda tentang negeri ajaib maritimnya—yang berkisar, melalui jenis kekerasan yang aneh,

10 Karya Seni Terbaik yang Dilihat di Chelsea Saat Ini

10 Karya Seni Terbaik yang Dilihat di Chelsea Saat Ini – Ini adalah waktu yang tepat untuk melihat seni di pusat galeri yang berkuasa di New York—inilah karya-karya yang sangat menarik perhatian.

10 Karya Seni Terbaik yang Dilihat di Chelsea Saat Ini

  Baca Juga : Museum Seni Kontemporer Utah Melanjutkan Perayaan Ulang Tahun ke-90

JONAS WOOD

  • Spiritual Warrior (2016)
  • Anton Kern
  • Harga berkisar $70.000 – $320.000

Tradisi pelukis yang menggambarkan rekan seniman mereka di tempat kerja adalah tradisi lama dan berbeda, mencakup pandangan John Singer Sargent tentang lukisan Claude Monet au plein air dan karya Gauguin tentang van Gogh yang meletakkan bunga matahari dengan bergejolak. Dalam pertunjukan baru Jonas Wood di Anton Kern, ia bergabung dengan silsilah ini dengan pemandangan raksasa di dalam studio temannya, sesama superman bola basket, dan terkadang kolaborator Mark Grotjahn.

Dibangun dari garis-garis kecil Impresionistis—yang menyemangati sapuan kuas Grotjahn sendiri yang intens, “Spiritual Warrior”—dan dimiringkan dalam gaya khas Wood yang sangat canggung, itu ditambatkan oleh kontras antara fisik atletis bintang pasar itu dan tatapannya yang jauh dan menyeramkan. – Andrew M. Goldstein

JEFF ELROD

  • Untitled (2009)
  • Luhring Augustine
  • Harga berkisar $150.000 – $175.000

Sebagai pasangan yang stabil dari pelukis berpengaruh Christopher Wool , Jeff Elrod telah berhasil mencapai titik manis antara abstraksi gestur seperti Wool dan pembuatan tanda yang dihasilkan komputer yang keren yang telah mendefinisikan karyanya. Menggunakan mouse untuk memfasilitasi apa yang disebut seniman sebagai “gambar tanpa gesekan”, Elrod mencetak komposisi cetak UV dalam Adobe Photoshop dan Illustrator langsung ke kanvasnya, beberapa di antaranya juga memiliki pensil atau cat akrilik yang diaplikasikan dengan hati-hati menggunakan selotip.

Karya Untitled ini adalah salah satu dari beberapa “This Brutal World” yang memiliki kanvas berbentuk tidak beraturan—teknik baru bagi seniman dalam usahanya untuk menggambarkan semacam “ruang layar” yang merujuk pada ruang digital virtual dalam ruang pelukis tradisional. Potongan-potongan lain dalam pertunjukan tampak seolah-olah buram, terinspirasi oleh “Mesin Mimpi”, sebuah perangkat yang mensimulasikan saraf optik saat mata pemirsa tertutup, ditemukan pada tahun 1959 oleh seniman dan penyair Brion Gysin . – Loney Abrams

SUELLEN ROCCA

  • Chocolate Chip Cookie (1965)
  • Matthew Marks
  • On reserve

Sudah menjadi tren dalam beberapa tahun terakhir untuk galeri saat ini untuk mengambil penyebab artis yang relatif tanpa tanda jasa dari tahun-tahun sebelumnya , seringkali wanita dan orang kulit berwarna yang telah dipoles demi rekan mereka yang lebih putih dan lebih jantan. Ini adalah contoh langka dari mode dunia seni yang membayar dividen nyata bagi pemirsa (belum lagi mahasiswa sejarah seni masa depan), dan pertunjukan karya Matthew Mark oleh Suellen Rocca dari tahun 1965-69 hanyalah contoh terbaru tentang bagaimana hal itu dilakukan.

Sebagai salah satu Chicago Imagists pertama dan anggota kelompok mani Hairy Who , Rocca hampir tidak dikenal, tetapi kesegaran kanvasnya yang besar membuat orang bertanya-tanya mengapa dia tidak lebih dari nama rumah tangga. Komposisinya seperti Chocolate Chip Cookie (1965) cenderung berfokus pada citra feminitas dan objek yang sejalan dengan penampilannya, semua diatur dalam pola yang sama-sama mengingatkan pada hieroglif Mesir, strip kartun hari Minggu, dan—untuk membuat satu perbandingan yang sangat ketinggalan zaman—grid emoji di layar iPhone. – Dylan Kerr

CAROLEE SCHNEEMANN

  • Interior Scroll (1975) Koleksi pribadi
  • Maccarone

Seperti yang kita semua tahu, artis pertunjukan Carolee Schneemann menciptakan mahakarya seni feminis ketika, pada 29 Agustus 1975, dia memanjat meja di East Hampton, menjatuhkan seprai dari tubuhnya yang telanjang, dan perlahan-lahan menarik gulungan panjang dari vaginanya. sambil membacakan isinya, sebuah teks yang ditulis dari sudut pandang seekor kucing. Sekarang, di Maccarone, dapatkan kesempatan yang sangat langka untuk menemukan karya bersejarah ini—sebagian karya seni, sebagian relik sekuler-religius—sebagai bagian dari pertunjukan kelompok “Coming to Power: 25 years of Sexually X-Plicit Art by Women.”

Pinjaman dari koleksi pribadi pelindung seni Cincinnati Sara M. & Michelle Vance Waddell, ikon akordeon yang dilipat disertai dengan dokumentasi foto satu-satunya versi lain dari pertunjukan dari tahun 1977, di Telluride Film Festival, yang berlangsung hampir sama dengan pengecualian teks, yang saat itu merupakan surat terbuka (lebih tepatnya) kepada kritikus film Annette Michelson.

RASHID JOHNSON

  • Falling Man (2015)
  • Hauser & Wirth
  • Harga Kisaran $175.000 – $215.000

Pertunjukan Rashid Johnson “Fly Away” bermanfaat di setiap belokan di
ruang multi-galeriHauser & Wirth yangberkelok-kelok di West 18 th Street, klimaks dengan Antione’s Organ —sebuah kotak persegi panjang besar dengan perancah minimal yang diisi dengan berbagai objek (kebanyakan tanaman ) dan secara berkala, seorang pianis pertunjukan.

Tetapi sementara massa arsitektur besar dan bercahaya yang memancarkan komposisi jazz asli tidak dapat mencuri perhatian, KO yang sama kuatnya menghiasi dinding, termasuk Falling Man , bagian dinding mengesankan yang terbuat dari lantai kayu ek merah yang terbakar, cermin ubin (dalam bentuk cermin). pria terbalik yang mengingatkan pada video game awal), sabun hitam, mentega Shea, tanaman gantung, semprotan enamel, dan buku Black Bolshevik oleh Harry Haywood.

Kayu berfungsi sebagai substrat untuk gerakan hiruk pikuk yang dicoret dengan sabun dan cat hitam, tetapi juga sebagai dinding pajangan untuk rak yang menyimpan objek berkode yang merujuk pada diaspora Afrika, pelarian, dan identitas—tema yang terus meresapi karya Johnson. –

ALLISON SCHULNIK

  • Dua Unicorn Panjang (2016)
  • ZieherSmith
  • $43,000

Hal pertama yang akan Anda perhatikan tentang karya pelukis yang berbasis di Los Angeles, Allison Schulnik di ZieherSmith adalah keunggulan tekstur—kadang-kadang, pendekatannya tampak lebih mirip dengan patung relief daripada lukisan cat minyak. Ini bukan perkembangan baru dalam sejarah seni lukis, tetapi kegembiraan allisonschulnik yang nyata pada kualitas catnya yang lengket dan membeku, ditambah dengan subjek unicorn dan centaurette pilihannya, membuat lukisan-lukisan ini beresonansi dengan intensitas seperti anak kecil.

Dalam grup ini, Dua Unicorn Panjang menonjol dari yang lain; sementara di kejauhan tampak sedikit lebih dari abstraksi berputar-putar dalam warna-warna pastel, pendekatan yang lebih dekat secara bertahap menyatu menjadi penggambaran liar, hampir scatologis dari binatang mitos tituler, yang mata dan giginya menonjol keluar dari kanvas saat mereka menggigit dan merobek. satu sama lain di antara bunga kecil hampir tiga dimensi.

LYNDA BENGLIS

  • TREE NEST
  • Cheim and Read
  • Harga berkisar $65.000 – $125.000

Lynda Benglis memulai karirnya dengan seks, dengan provokasi heboh dari iklan Artforum yang disempurnakan dengan dildo , dan karya terbarunya menambang ujung lain dari siklus biologis. Terinspirasi oleh kulit dan tulang yang ditemuinya di mesas Santa Fe, patung-patung ini dibuat dari kertas buatan tangan yang direntangkan di sekitar kawat ayam dan secara luar biasa menyerupai kulit ular yang diputihkan. Penuh keindahan yang suram, patung-patung itu menggantung di Cheim dan Read, membawa aroma udara gurun yang kering.

SIMON DENNY

  • Prototipe Permainan Papan Risiko Blockchain: Pasar Modal Edisi Aset Digital (2016)
  • Petzel
  • €45,000

Sulit untuk mengisolasi satu karya tunggal untuk menyorot dari Simon Denny ‘s Blockchain Masa Depan Amerika di Petzel, acara otak yang mengandalkan masing-masing bagian untuk additively membangun geopolitik narasi yang kompleks. Inti dari sirkuit konseptual tampilan berkisar pada tiga perusahaan keuangan “di garis depan teknologi Bitcoin dan penerapan blockchain, database transaksi terdesentralisasi yang berfungsi sebagai tulang punggung mata uang kripto ini.” (Bingung seperti kita? Nantikan primer yang akan datang tentang apa yang perlu Anda ketahui untuk memahami pertunjukan yang padat ini.)

Pameran ini menempatkan tata kelola global sebagai permainan strategis yang penuh dengan pemenang dan pecundang, yang mungkin paling baik dicontohkan oleh permainan papan Risiko Denny yang besar, yang datang dalam berbagai edisi berbeda seperti “Edisi Aset Digital Pasar Modal” dan ‘Edisi Crypto/Anachrist Ethereum.

LEONARDO DREW

  • Nomor 190 (2016)
  • Sikkema Jenkins and Co.
  • $200.000

Berjalan ke Sikkema Jenkins and Co. , seseorang segera disambut oleh apa yang mungkin dianggap sebagai karya “khas” oleh Leonardo Drew: struktur kayu besar yang mengesankan, di sini dicat hitam untuk memberi kesan telah diselamatkan dan kemudian ditumpuk setelah kebakaran rumah yang menghancurkan. Mengubah sudut menjadi galeri utama, bagaimanapun, mengungkapkan instalasi dari jenis yang berbeda. Mengambil keseluruhan dari dua (dinding yang cukup besar), Nomor 190 menemukan seniman menggunakan kembali potongan-potongan dari karya-karya lama atau yang tidak terjual sebelumnya (tema yang berulang dalam metodenya), mengaturnya ke dalam format linier yang kadang-kadang menumbuhkan pertumbuhan baru ke dalam ruang.

Meskipun pada kesan pertama ini mungkin tampak sedikit lebih dari detritus tempat kerja — Drew mengutip pengalaman tumbuh di sebelah tempat barang rongsokan di Bridgeport, Connecticut sebagai inspirasi untuk bahan pilihannya — pemeriksaan lebih dekat mengungkapkan bahwa setiap potongan telah dikerjakan dengan hati-hati dan cocok dengan komposisinya secara keseluruhan. Berdiri di dekat tembok, seseorang ditinggalkan dengan perasaan yang tidak berbeda dengan mengunjungi kuil kuno atau reruntuhan; ada sejarah di balik setiap bagian dari teka-teki, tetapi satu yang tetap di luar jangkauan. (Jika semua ini menjadi sedikit berlebihan, lukisan Jennie C. Jones yang bersahaja pada panel peredam akustik—yang terlihat di galeri belakang lengkap dengan potongan suara yang menyertainya—harus memberikan jeda yang menenangkan.)

MATTHEW BARNEY

  • TRANSEXUALIS (penurunan) —HIPERTROFI (pectoralis majora) HCG —JIM BLIND (L): penetrator hipotermal OTTO: Suhu Tubuh, 66 derajat (1991)

Sebuah monumen keanehan transenden Matthew Barney—kualitas yang memicu kejeniusannya—patung luar biasa ini langsung dikenal begitu Anda melangkah ke Gladstone, motornya yang berputar bersenandung di seluruh galeri. Ini adalah bangku angkat beban miring yang seluruhnya terbuat dari Vaseline, didinginkan hingga kekencangan marmoreal oleh unit pendingin walk-in (sumber dengungan) dan ditampilkan di samping “bentuk dada gel silikon” untuk menghormati Oakland Raider yang tak kenal takut Jim Otto, yang menjadi legenda karena tanpa ampun menggunakan tubuhnya sebagai alat tumpul di lapangan hijau, melukai dirinya sendiri puluhan kali dalam mengejar kemuliaan.

Barney, mantan pemain sepak bola Yale, mengidolakan Otto (yang nomor punggungnya 00) baik karena fisiknya yang ekstrem maupun sifat palindromik namanya, yang diapit oleh huruf “o” kembar yang membangkitkan lubang atau gonad. Di sini, Anda dapat melihat bangku yang terletak di atas versi logo lapangan sepak bola artis, yang menjadi simbol utama dari trilogi “Cremaster” 1994-nya, menggunakan tata letak 50-50 yard dan asosiasi biner sebagai simbol ketidakpastian seksual yang mendahului jatuhnya buah zakar di dalam rahim.

Museum Seni Kontemporer Utah Melanjutkan Perayaan Ulang Tahun ke-90

Museum Seni Kontemporer Utah Melanjutkan Perayaan Ulang Tahun ke-90 – Tahun peringatan ke-90 Museum Seni Kontemporer Utah sejauh ini telah menjadi urusan yang luar biasa dan pameran yang berlanjut hingga awal musim gugur layak dikunjungi secara menyeluruh oleh para pengunjung.

Museum Seni Kontemporer Utah Melanjutkan Perayaan Ulang Tahun ke-90

 Baca Juga : Ulasan Pameran Allison Schulnik

allisonschulnik – Ini termasuk tujuh mural skala besar yang mengesankan yang menandakan reputasi luar biasa untuk seni publik lokal dalam bentuk jalanan dan grafiti. Demikian pula, dua pameran lainnya menyoroti beragam keunggulan program artist-in-residence (AIR) museum.

Ada juga perayaan nostalgia yang menawan tentang seperti apa toko skateboard di lingkungan sekitar sebelum era ritel kotak besar dan video yang disutradarai oleh salah satu pembuat film animasi terkemuka di Jepang.

ALL WALL: Muralis Utah Kontemporer + UMOCA

Tujuh mural besar yang dipamerkan di Galeri Utama UMOCA hingga 8 Januari mengkonfirmasi penerimaan penuh seni jalanan dan grafiti sebagai seni publik di Utah. Misalnya, akhir bulan ini, Museum Seni Utah akan dibuka 2020: Mulai sekarang , sebuah proyek yang mengundang seniman komunitas untuk melukis mural asli di Aula Besar UMFA. Melukis langsung ke dinding galeri dengan mural yang dimaksudkan agar tersedia untuk dilihat selama periode tertentu menonjolkan penerimaan kedua museum yang meluas terhadap karakter kelembagaan dinamis organik mereka.

Mural UMOCA benar-benar menangkap jangkauan dari apa yang telah diupayakan oleh pencipta seni publik Utah dalam melukis mural, yang mengekspresikan identitas asli, budaya, sejarah, politik, dan isu-isu kritis tentang nilai dan pemberdayaan sosial. Untuk penduduk Salt Lake City serta pengunjung dari tempat lain, ALL WALL adalah pengenalan visual yang luar biasa yang menawarkan konteks berbagai artikel dan peringkat yang menekankan keragaman kota. Salt Lake City terus ditransformasikan oleh perubahan signifikan dalam komposisi demografisnya serta keinginannya untuk berwirausaha kreatif, yang selaras dengan dorongan yang membuat institusi seperti UMOCA di tempat pertama.

Seniman juga memperhitungkan sejarah Utah dan Amerika Barat dengan membuat karya tajam yang mengisi celah kritis dan membahas peristiwa dan praktik, yang sering disamarkan dalam historiografi. Mural Doo yá’át’éehii hólóo nisi ts’ídá yá’át’éeh hodooleego t’éí n itsihwiildeel, dibuat oleh Denae Shanidiin dan Chuck Landvatter, menyelubungi tantangan mendasar ini untuk menemukan kedalaman yang tepat dalam historiografi penceritaan kisah-kisah wilayah Intermountain West. Yang terbesar dari tujuh mural, karya ini memperbesar tujuan dengan kejelasan yang menusuk , karena mensintesis gambar anak-anak, teks dan, terutama, potret Arthur Vivian Watkins, yang bertugas di Senat AS mewakili Utah selama 12 tahun pada 1940-an dan 1950-an. Watkins terus berupaya untuk menghapus semua budaya, bahasa, dan kehadiran formal yang terlihat dari masyarakat adat AS Selama beberapa dekade, Utah, seperti banyak negara bagian lain di negara itu, telah menjadi tuan rumah bagi sekolah asrama penduduk asli Amerika, termasuk salah satu yang terbesar di negara itu, terletak di dekat Brigham City — Intermountain Indian School, yang juga ditampilkan dalam gambar udara yang disertakan dalam mural. Baru-baru ini, AS

Setiap mural membangkitkan nada dan estetika yang berbeda. Dengan potret hidup yang muncul dalam ukuran besar, Bill Louis , seorang seniman abstrak perkotaan Polinesia (Tongan/Fiji), menekankan dampak nyata dari komunitas Polinesia setempat. Utah menempati peringkat di antara tujuan teratas dalam jumlah orang Tonga dan Samoa yang tinggal di AS, terutama di Salt Lake City dan West Valley City. Banyak pengunjung seni lokal juga akan mengenali mural yang dibuat oleh Trent Call . Roots Art Kollective (Miguel Galaz, Alan Ochoa dan Luis Novoa), kelompok yang juga sedang melukis mural untuk Aula Besar UMFA, menghasilkan karya komando untuk UMOCA berjudul Colibrí dorado. Bersinar dalam optimisme, ada burung kolibri, simbol hari baru yang menggembirakan, muncul dari pandemi.

Mural lainnya menampilkan pendekatan serbaguna untuk mencapai teknik yang luar biasa. Mereka termasuk garis dan warna yang tajam dari panggilan dan respons tandingan antara seniman grafiti Ben Wiemeyer dan seniman tato Gailon Justus , penggunaan warna yang kaya tekstur oleh seniman instalasi Megan Arné , yang tampaknya acak tetapi memiliki tujuan dalam komposisinya, dan Jessica Wiarda (sebuah ilustrator Hopi/Tewa dan keturunan putih) penggunaan ruang negatif dalam mural yang juga ideal sebagai bagian branding grafis untuk gerakan konservasi. Proyek ini diorganisir oleh kurator Jared Steffensen dan didanai oleh program Kebun Binatang, Seni dan Taman (ZAP) Salt Lake County, Dee Foundation, Zions Bank dan Diane and Sam Stewart Family Foundation.

MM Murdock: Selamat datang di Wigglestick

Buka di Galeri Jalanan hingga 23 Oktober, The Wigglestick Pretend Co. adalah instalasi multidimensi luar biasa yang merayakan nostalgia mainan masa kecil yang sederhana, pengalaman pergi ke toko lingkungan bergaya ibu-dan-pop, dan cinta sejati untuk skateboard jauh sebelum menjadi olahraga profesional, komoditas (dan sekarang Olimpiade).

Dibuat oleh MM Murdock, toko pop-up ini dihiasi dengan deck skateboard gantung, truk, roda dan komponen, yang dibuat dengan bahan daur ulang dan benda-benda temuan. Anehnya, beberapa geladak dan roda tidak berfungsi. Ini masuk akal, karena pemain skateboard muda dengan cepat belajar bagaimana menyesuaikan diri dengan keterbatasan dan tampilan ini mendukung upaya itu. Dek didekorasi dengan segala macam referensi budaya pop. Ada nuansa definitif dari akhir tahun enam puluhan dan awal hingga pertengahan tahun tujuh puluhan, dalam munculnya sebelum mega-mal dan teater multipleks menjadi norma di banyak komunitas. Instalasi melengkapi getaran toko independen dengan etalase, mesin kasir generasi lama, Rolodex, dan telepon putar. Ada layar televisi kecil dengan video skateboard dan bahkan ada tanjakan.

Yoriko Mizushiri: Sentuhan Lembut

Tahun ini, Galeri Codec UMOCA menampilkan trio animasi seni video yang luar biasa. Yang pertama, musim semi lalu, adalah karya 2011: Mound oleh Allison Schulnik . Dengan menggunakan stop-motion dan claymation yang lugas, ia menghasilkan video lima menit yang memikat tentang lukisan bergerak, yang dibuat dari lebih dari 100 figur yang terbuat dari tanah liat, kayu, dan kain.

Yang kedua oleh Yoriko Mizushiri, salah satu seniman film animasi terkenal di Jepang. Film, A Gentle Touch , mengkompilasi dua film pendeknya Kamakura dan Maku . Seperti karya Schulnik, Miizushiri mencapai efek surealistik yang memikat dalam animasi gambar tangannya dengan getaran sensual, provokatif, dan melamun. Kesederhanaan film memerintahkan penonton untuk fokus pada gerakan dan interaksi alami yang terjadi di layar. Pengaturannya sangat intim sehingga dapat menginspirasi pemirsa untuk terlibat dalam pertunjukan kasih sayang publik di galeri, respons yang sangat ideal untuk seni video Mizushiri.

Film pendek animasi terbaru Mizushiri, Anxious Body , baru-baru ini dipilih untuk pemutaran di bagian Director’s Fortnight di Festival Film Cannes ke-74. Film itu mengikuti teknik yang ditampilkan Mizushiri dalam A Gentle Touch . Anxious Body menggambarkan contoh di mana sentuhan menggetarkan tubuh dengan kecemasan saat mencoba merespons sentuhan, yang tampak tidak nyaman atau invasif. Film terjadwal berikutnya di galeri adalah Erick Oh’s Opera , yang dinominasikan tahun ini untuk Academy Award dalam kategori film pendek animasi terbaik.

Daniel George: Sumsum

Kunjungan ke UMOCA tidak akan lengkap tanpa melihat galeri AIR Space yang menampilkan karya seniman museum di kediamannya. Barrow oleh Daniel George menyoroti andalan tradisi kuliner Mormon yang sudah dikenal — produk dari Jell-O Belt. Pameran porno makanan ini — menampilkan foto-foto yang diambil George dari makanan yang dia siapkan dengan mengikuti resep yang diterbitkan dalam buku masak jemaat lingkungan Mormon — mungkin awalnya tampak seperti parodi pada stereotip. Sebaliknya, itu benar-benar muncul untuk merayakan estetika nostalgia yang menolak waktu dan apresiasi yang terus berkembang dari selera kuliner dan masakan etnis. Komposisi gaya makanan George menarik bahkan di antara pemirsa yang mungkin tergoda untuk mencicipi salah satu hidangan ini, jika hanya untuk memuaskan rasa ingin tahu.

Piring dan gambar bisa dengan mudah muncul di buku masak tahun enam puluhan dan tujuh puluhan. Bukan hanya buku masak bertema Mormon pada saat itu yang memiliki getaran yang sama dengan casserole LDS (termasuk kentang pemakaman, hidangan yang bahkan dinikmati oleh orang non-Mormon), pertanyaan tentang hidangan etnik populer, atau cetakan gelatin dan aspic yang mengandung kombinasi manis yang tidak biasa. dan bahan-bahan yang gurih. Sebuah akun Twitter populer yang berasal dari Inggris, 70-an Dinner Party, dengan hampir 171.000 pengikut, berbagi banyak gambar dan resep dari buku masak non-Mormon serupa.

Keluarga Mormon bangga memiliki pantries dan larder yang lengkap di rumah mereka, di mana memasak lebih terfokus pada sumber daya ekonomis daripada menyoroti pengalaman petualangan yang menarik dari mencoba hidangan baru, terutama dari tempat lain. Ini adalah pameran tentang kenyamanan makanan, di mana kepraktisan menggunakan bahan makanan olahan, sayuran kaleng dan sup krim, kaleng daging dan ikan, tepung seperti serpihan jagung dan keripik kentang dan barang-barang rak bahan makanan lainnya menjadi pusat perhatian. Ini tersebar luas, seperti disebutkan di atas, bagi banyak keluarga, non-Mormon dan Mormon, selama masa ketika resesi dan inflasi yang terus-menerus memaksa banyak juru masak dapur untuk meregangkan anggaran makan mereka sekreatif mungkin dengan hidangan yang mereka tahu akan dibuat oleh orang lain di rumah. Nikmati.

Jiyoun Lee-Lodge: Waterman Mengubah I

Berlokasi di Exit Gallery dan buka hingga 23 Oktober, sebuah pameran yang terinspirasi oleh kecemasan terisolasi, terlantar, dan terganggu selama pandemi COVID-19, Waterman: Changing I adalah bagian dari pekerjaan berkelanjutan Jiyoung Lee-Lodge sebagai seniman residen UMOCA. Lee-Lodge mencapai meditasi metaforis yang dapat didekati dan dipahami pada emosi ini, di mana layar digital berfungsi sebagai pemandangan yang sesuai secara sosial untuk melihat dunia luar selama pandemi. Dengan demikian, karya-karyanya terletak di dunia yang banyak dari kita menjadi terpaku selama hari-hari yang panjang dari penguncian dan jarak sosial di mana rutinitas dan pekerjaan dan ritme sosial terbalik. Pemirsa akan menghargai infleksi halus dari estetika teknis Roy Lichtenstein, yang berpadu begitu efektif dengan efek chiaroscuro dan interpretasinya tentang eksistensialisme yang mencolok dalam Nighthawks karya Edward Hopper .

Gelombang adalah elemen utama dalam karya-karya ini, dibangun dengan baik di atas metafora yang telah digunakan berulang kali oleh para dokter, ahli epidemiologi, dan pemimpin dunia untuk berbicara tentang pandemi. Lee-Lodge menambahkan konteks yang membangun dan berpotensi menyembuhkan. Elena Semino , seorang profesor linguistik dan seni verbal di Universitas Lancaster di Inggris, menjelaskan daya tarik penggunaan metafora di mana-mana seperti gelombang dalam peristiwa seperti pandemi, dalam esai Juli 2021 yang diterbitkan di The Guardian.. Semino, yang telah mempelajari penerapan metafora pada penyakit kronis termasuk kanker, menulis, “Metafora tidak dapat dihindari. Digunakan secara sensitif dan tepat, mereka dapat membantu individu dan masyarakat mengatasi masalah jangka panjang yang luar biasa seperti pandemi global. Tetapi digunakan secara tidak sensitif atau tidak tepat, atau ketika dirusak oleh tindakan dan kebijakan yang tidak konsisten, metafora dapat menambah kebingungan dan kekecewaan, membuat masalah lebih sulit diatasi. Singkatnya, untuk menggunakan metafora lain, mereka bisa menjadi pedang bermata dua.” Tidak diragukan lagi, presentasi ombak Lee/-Lodge berfungsi sebagai tanda berguna yang dapat kita ambil sendiri saat pandemi mulai surut dan menjauh dari panggung utama.

UMOCA: Kontemporer Sejak 1931

Ini adalah pameran yang luar biasa (yang ditutup pada 11 September) yang menghadirkan berbagai karya seni bersama dengan contoh artefak sejarah yang menarik, publikasi dan bukti bagaimana perkembangan UMOCA tidak hanya menarik perhatian seniman lokal Utah tetapi juga beberapa yang paling terkenal. pencipta seni kontemporer dari komunitas nasional dan internasional. Disajikan di Galeri Jalanan museum dan diorganisir oleh kurator tamu dan seniman lokal Frank McEntire dan Jared Steffensen, kurator pameran UMOCA, pertunjukan ini didasarkan pada penelitian cermat yang dilakukan oleh Glen Nelson dan Maddie Blonquist Shrum.

Selanjutnya, sejarah UMOCA telah matang melalui tiga periode signifikan, dimulai dengan Art Barn pada tahun 1931, dan kemudian menjadi Pusat Seni Salt Lake pada tahun 1959 dan, akhirnya, penunjukan UMOCA saat ini dalam sepuluh tahun terakhir. Salah satu representasi paling jelas dari evolusi ini datang melalui tampilan logo museum yang mencakup 90 tahun keberadaannya. Dan, baru-baru ini, museum memperbarui logonya, menandakan komitmen museum untuk menangkap praktik seni kontemporer yang berkembang, terutama yang diwakili dalam lima pameran lain yang bertepatan dengan perayaan ini.

Orang luar mungkin terkejut untuk berpikir bahwa museum yang didedikasikan untuk seni kontemporer di Utah telah berkembang dan telah menikmati umur panjang yang sehat, terutama karena pendiriannya terjadi selama Depresi Hebat. Tapi, ketahanan UMOCA juga sebagian karena reputasi perintis negara untuk menegaskan pendidikan seni dan literasi. Ambil contoh, Alice Merrill Horne, salah satu juara terbesar seni lokal dan publik dalam sejarah Utah, yang memiliki hasrat terutama untuk hasil seniman yang tinggal dan bekerja di negara bagian. Pada tahun 1899, Horne, pada usia 30, baru saja terpilih menjadi anggota Legislatif Utah dan dia dengan cepat memulai agenda politik yang ambisius, terutama atas nama pendidikan publik dan untuk memastikan akses ke semua fasilitas dan manfaat penting untuk semua sekolah dan anak-anak. , terlepas dari kemampuan keluarga mereka. Di antara barang-barang itu adalah menciptakan lembaga seni pertama yang disponsori negara. Ini memastikan akses publik ke seni untuk semua penduduk Utah, termasuk mengumpulkan 37 koleksi seni Utah di sekolah umum. Pastinya bisa dimaklumi kenapa Utah mengemban misi yang menjadi UMOCA. Salah satu kejutan paling menyenangkan dari pameran ini adalah sejumlah seniman terkenal dunia yang memamerkan karya di Utah. Mereka termasuk Diego Rivera, László Moholy-Nagy, Marc Chagall, Wassily Kandinsky, Andy Warhol dan Robert Rauschenberg, antara lain. Salah satu kejutan paling menyenangkan dari pameran ini adalah sejumlah seniman terkenal dunia yang memamerkan karya di Utah. Mereka termasuk Diego Rivera, László Moholy-Nagy, Marc Chagall, Wassily Kandinsky, Andy Warhol dan Robert Rauschenberg, antara lain. Salah satu kejutan paling menyenangkan dari pameran ini adalah sejumlah seniman terkenal dunia yang memamerkan karya di Utah. Mereka termasuk Diego Rivera, László Moholy-Nagy, Marc Chagall, Wassily Kandinsky, Andy Warhol dan Robert Rauschenberg, antara lain.

UMOCA melanjutkan perayaan hari jadinya yang ke-90 pada hari Sabtu, 18 September, dengan pesta ulang tahun seni keluarga Sabtu gratis, dari jam 1 sampai jam 4 sore di halaman luar museum (Kuil 20 S. Barat).

Ulasan Pameran Allison Schulnik

Ulasan Pameran Allison Schulnik – Artis Los Angeles Allison Schulnik baru-baru ini memamerkan karya baru di Museum Seni Laguna dalam program seni kontemporer ex-pose yang dikuratori oleh Grace Kook-Anderson. Multi-disiplin dan naratif yang mendalam, Allison Schulnik menyampaikan pilihan terobosan film animasi, lukisan cat minyak, dan patung.

Ulasan Pameran Allison Schulnik

 Baca Juga : Wawancara Ekslusif dengan Allison Schulnik Tentang Video Clamation Barunya Untuk Grizzly Bear 

allisonschulnik – Proses Allison dimulai dengan hati-hati memahat karakternya dari tanah liat. Maquette yang lebih kecil dan detail ini menjadi prototipe yang berfungsi untuk gaya inventifnya. Penemuan Allison segera dialami saat ex-pose menyambut Anda ke dunia imajinatif yang diisi dengan renungan ekspresionis yang menemukan diri mereka hidup berdampingan dalam lingkungan yang aneh.

Semua karakter Allison Schulnik bertahan dalam lanskap yang terdiri dari cat tekstur tebal yang sering diproyeksikan dari kanvas, namun sebagai pujian untuk karakternya yang menonjol— Scare-Bo , Boo dan Boneless Horse . Tema ketakutan manusia menghadapi gelandangan, badut, orang-orangan sawah dan perangkap sosio-ekonomi kehidupan kelas, jenis kelamin, dan kematian.

Setelah memeriksa pekerjaan dengan cermat, Anda segera menyadari bahwa Allison tidak menghemat cat. Akumulasi warna yang tebal ditimbun di dedaunan, fauna, dan fitur karakter. Warna yang kaya, rona yang dalam, tahan terhadap noda cat dan sapuan magenta, biru kobalt dan kuning, bekerja dalam pujian untuk memberikan aura yang menguntungkan dari setiap karakter yang baik.

Abu-abu besi, hitam pekat, dan biru baja mengisolasi karakter yang tidak terpenuhi dan tidak terikat. Setiap karya mengungkapkan petunjuk untuk naskah masing-masing karakter, tampil dalam drama teater yang dramatis. Karakter memar yang dilukis di atas kanvas bercampur dengan benda mati yang bermuatan seksual yang terdiri dari buah-buahan dan bunga, dua patung figuratif, tiga animasi yang diatur, dan satu Kuda Tanpa Tulang . Boneless Horse adalah karya yang luar biasa dan titik fokus utama dari pameran ini. Terinspirasi oleh Raggedy Ann dan Andy dan Eeyore dari animasi Winnie-the-Pooh , Boneless Horse menyediakan semua arketipe kartun yang diperlukan yang menampilkan kepercayaan diri yang luar biasa sebagai pengucap kebenaran yang berpikiran mendalam.

Kuda Tanpa Tulangadalah kekuatan penting yang ada melawan segala rintangan. “Lebih fantastik, kurang berdasarkan kenyataan dan lebih banyak dari dunia lain.” (Atas, Kuda Tanpa Tulang, 2012) . Ekspresionisme abstrak, surealisme, dan komponen naratif diartikulasikan dengan sangat baik dalam karya Allison Schulnik dan instalasinya di Museum Seni Laguna dapat dengan mudah menempati aula utama, memungkinkan penonton untuk menikmati saat-saat tanpa hambatan dalam keseluruhan karya sebagai satu, permainan teater terpadu. Paralel dalam karya Allison mungkin lebih jauh dibandingkan dengan citra Francis Bacon (atas) yang menghantui, menyedihkan dan indah (atas) , James Ensor (atas) dan Joel-Peter Witkin .

Allison Schulnik adalah seniman kontemporer yang penting dan salah satu dari lima seniman teratas, yang menurut saya, harus ditambahkan ke koleksi seni kontemporer yang penting. Sudah dikoleksi oleh Los Angeles County Museum, Museum of Contemporary Art di San Diego, Montreal Museum of Contemporary Art, Laguna Beach Art Museum, dan lainnya… Allison Schulnik secara konsisten menghadirkan tema-tema yang sangat terhubung sambil memaparkan kepada kita sebuah karya baru dari tokoh-tokoh fantastis yang tersembunyi di dalam reruntuhan jalan masyarakat kita. Karakter lukisan Allison Schulnik membuat kita rentan terhadap dunia penemuan ekspresionisnya yang tak kenal takut yang tertanam di jantung mimpinya. ( Galeri Mark Moore dan Zieher Smith untuk informasi tambahan dan film Beautiful Decay ).