Tag: Seni

Tag: Seni

Gaya Lukisan Tersulit Terbaik yang Harus Anda Coba

Gaya Lukisan Tersulit Terbaik yang Harus Anda Coba – Sebagai seorang seniman, Anda mungkin pernah bertanya pada diri sendiri tentang gaya melukis paling sulit yang pernah ditemukan dan digunakan oleh sebagian besar seniman dari masa lalu hingga generasi sekarang. Sebagian besar penonton yang pergi ke berbagai pameran seni akan mengagumi keindahan dan keunikan setiap lukisan di ruangan itu.

Gaya Lukisan Tersulit Terbaik yang Harus Anda Coba

allisonschulnik – Apakah Anda seorang pemula atau pelukis berpengalaman, gaya melukis apa yang paling sulit yang pernah Anda coba atau temui? Bagaimana Anda dapat meningkatkan keterampilan Anda dan merasa nyaman dengan teknik ini? Apa yang menginspirasi Anda untuk melatih keterampilan Anda saat bekerja dengan gaya melukis yang paling sulit?

Apa Lukisan Tersulit Di Dunia?

Sebuah pertanyaan umum yang mungkin ditanyakan oleh setiap seniman adalah, “gaya melukis apa yang paling sulit yang pernah Anda kerjakan?” Sebagian besar pendatang baru di dunia lukisan mungkin ingin tahu apa itu dan mencoba menghindarinya sampai mereka merasa nyaman mengerjakannya nanti. Beberapa mulai dengan gaya melukis yang paling sulit karena berpikir itu akan membantu mereka meningkatkan keterampilan melukis mereka.

Sebenarnya, pertanyaan ini bahkan lebih sulit untuk dijawab daripada yang terlihat. Bagi sebagian besar seniman dan non-pelukis, tetapi memiliki hubungan khusus dengan seni, hiper-realisme dan realisme akan selalu ada di pikiran. Alasannya? Orang-orang percaya bahwa teknik ini mengharuskan seniman untuk membuat karya seni yang terlihat persis seperti gambar yang mereka coba kerjakan seperti foto asli yang telah Anda pindahkan ke atas kanvas, menggunakan media lukis favorit dan tangan terampil Anda.

Baca Juga : Tema Dan Tren Umum Dalam Pameran Seni

Sementara varian gaya melukis tersedia untuk setiap seniman untuk bekerja dan meningkatkan keterampilan mereka, beberapa secara khusus diklasifikasikan sebagai menantang. Jika Anda telah mengerjakan berbagai gaya dan merasa lebih nyaman dengannya, inilah saatnya bagi Anda untuk maju dan menantang diri sendiri.

Di bawah ini adalah gaya melukis yang oleh sebagian besar seniman dianggap sebagai yang paling sulit untuk dikerjakan atau membutuhkan fokus yang memadai untuk memastikan Anda mendapatkan hasil yang menakjubkan. Perlu diingat bahwa semua gaya melukis bisa jadi menantang. Dengan asumsi Anda telah bekerja dengan berbagai gaya, beberapa teknik dapat disempurnakan oleh satu artis, sementara itu bisa menjadi tantangan besar bagi seseorang.

Setiap artis memiliki preferensi unik mereka, dan sangat penting untuk mengidentifikasi kekuatan dan kelemahan Anda untuk membantu Anda meningkatkannya ke depan.

Surrealisme

Dengan asumsi Anda ingin meningkatkan keterampilan melukis dan mengerjakan berbagai teknik, surealisme adalah gaya melukis yang wajib dicoba. Gaya ini memungkinkan Anda membuat tema dengan visual dan interpretasi unik berdasarkan perspektif artis.

Ini memungkinkan Anda untuk menantang kreativitas Anda dalam hal kebijaksanaan konvensional dan tidak terikat. Dalam hal surealisme, aturan menciptakan kemahiran teknis yang khas untuk menantang kondisi mental Anda saat menatap karya seni.

Realisme

Realisme adalah salah satu gaya lukisan yang dianggap menantang oleh sebagian besar seniman. Ini membutuhkan detail dan akurasi yang tinggi dengan subjek yang ingin Anda gambarkan. Tantangan sebenarnya dalam mengerjakan gaya melukis ini adalah bagaimana Anda bisa mencapai level tertinggi untuk mengecat permukaan dengan tampilan halus secara akurat.

Jika Anda akan memeriksa sejarah, Anda akan melihat bahwa John Singer Sargent telah bekerja dengan gaya realisme dengan sebagian besar lukisan potretnya. Sama halnya, lukisan lanskapnya juga memukau secara akurat dan disempurnakan dengan detail yang tepat.

Banyak seniman mendapatkan inspirasi dari potret dan karya seni Sargent dalam hal realisme. Yang luar biasa menakjubkan adalah sebagian besar lukisan, baik itu lanskap atau potret, sangat akurat dan realistis. Hal ini memungkinkan Anda untuk melihat warna pecah yang terlihat dan sapuan kuas pada permukaan penyangga.

Dengan efek painterly, lukisannya tampak lebih natural dan akurat bagi setiap penonton yang melihat lukisannya. Selain Sargent, artis lain yang patut diperhatikan untuk gaya realisme adalah Sir Richard Schmid. Menjadi salah satu pelukis paling berbakat dari generasi ini, Anda dapat dengan mudah melihat ini dengan semua karya seninya.

Hiper-Realisme

Jika menyangkut faktor wow, hiper-realisme adalah gaya melukis yang patut dicoba. Gaya ini memungkinkan seorang seniman untuk membuat karya seni yang hampir mirip dengan efek fotografi. Ibarat Anda sedang melihat gambar yang serupa, namun bedanya seniman menggunakan kuas, pisau palet, dan media lukis untuk membuat gambar tersebut.

Ini adalah gaya melukis yang terkenal untuk generasi ini, dan ada banyak seniman yang bekerja untuk menguasai teknik melukis ini. Seringkali, karya seni hiper-realisme mendapat banyak pujian baik dari penonton maupun seniman.

Sementara beberapa akan bekerja berjam-jam mencoba untuk mencapai pigmen dan perspektif lukisan yang sempurna, beberapa tidak sabar dan terampil seperti yang lain. Beberapa seniman akan membuat lukisan hiper-realisme untuk tujuan pribadi mereka, sementara yang lain mungkin lebih memilih untuk mengikuti jalan mereka dan memasukkan gaya mereka ke dalam permukaan lukisan.

Terlepas dari bagaimana Anda ingin lukisan Anda terlihat, mirip dengan foto atau tidak, yang terpenting adalah bagaimana Anda merasa paling nyaman untuk bekerja.

Anda dapat bekerja untuk meningkatkan keterampilan melukis dan menguasai berbagai gaya. Yang penting adalah Anda bersenang-senang, mengekspresikan diri, dan mempelajari keterampilan baru untuk maju. Selama Anda dapat menangkap warna dasar, komposisi, dan nilai tanpa menjadi stres adalah bagian terpenting.

Yang penting adalah Anda dapat memamerkan pemandangan yang Anda pikirkan dan tidak mereplikasi pemandangan tertentu dari foto ke kanvas. Either way, Anda bekerja sesuka Anda dan mendapatkan inspirasi dari apa yang paling penting bagi Anda.

Impresionisme

Impresionisme adalah salah satu gaya lukisan favorit seniman karena tidak memerlukan detail yang membosankan untuk karya seni Anda. Ini adalah kemajuan yang lambat dalam menangkap adegan penting dan tidak akurat dengan detailnya.

Bagi sebagian besar seniman, impresionisme bisa jadi sulit dan mudah. Jika Anda fokus pada detail yang tepat, Anda akan bingung dan membuat lukisan yang rapat. Jika Anda mengerjakan detail-detail kecil, maka karya seni akan mendekati dan mengarah ke abstrak yang tidak lengkap.

Bekerja dengan impresionisme memungkinkan Anda menciptakan warna dan nilai yang memukau, menampilkan harmoni yang luar biasa. Inilah salah satu kekuatan gaya lukisan impresionisme. Beberapa orang mungkin mengatakan bahwa bagian lemah dari gaya ini dapat menyebabkan teknik yang ceroboh.

Untuk komunitas yang bekerja dengan foto-realisme dan hiper-realisme, teknik impresionisme menantang dan kritis. Hal ini mempengaruhi pendekatan impresionisme dengan seniman yang lebih akrab dengan gaya dan teknik realistik.

Jika Anda menyukai tantangan, Anda akan menghargai keindahan di balik gaya impresionisme. Impresionis yang berpengalaman dapat menggunakan teknik melukis langsung yang memungkinkan Anda memberikan petunjuk bentuk dan gerakan yang hadir secara harmonis di permukaan lukisan Anda.

Yang penting tentang impresionisme adalah Anda akan meninggalkan pesan dengan bagaimana perasaan pemirsa saat melihat mahakarya Anda.

Misalnya, jika Anda akan membuat pemandangan laut, sebagian besar seniman akan membuat pemandangan laut persis seperti yang terlihat. Ini termasuk bekerja dengan kontur gelap Anda, sorotan terang yang mengenai bagian atas air, dan garis busa yang meliuk-liuk di atas permukaan.

Dengan impresionisme, Anda akan membangun emosi dan perasaan dalam adegan tersebut. Anda tidak perlu khawatir tentang detail yang tepat atau mendapatkan penggambaran atau detail yang akurat dari pemandangan ini. Meskipun bisa menantang, entah bagaimana itu memungkinkan Anda untuk keluar dari zona nyaman Anda.

Seringkali, Anda akan memiliki warna yang berantakan di kanvas Anda dengan sedikit atau tanpa harmoni. Namun, dengan latihan dan membiasakan diri dengan tekniknya, Anda dapat dengan mudah mencapai bentuk sempurna dan keseluruhan emosi dengan petunjuk halus yang Anda tinggalkan.

Melihat karya seni Anda dengan saksama, Anda mungkin berpikir bahwa itu jauh dari apa yang ingin Anda tuju. Namun, jika Anda akan mencoba untuk keluar dan melihat keseluruhan karya seni, kurang detail yang akurat, Anda akan tahu pesan apa yang ingin disampaikannya.

Tema Dan Tren Umum Dalam Pameran Seni

Tema Dan Tren Umum Dalam Pameran Seni – Seperti ciptaan pikiran manusia lainnya, Seni dipengaruhi oleh aspek sosial, ekonomi dan politik masyarakat manusia. Seni populer mungkin subyektif tetapi berkat Sejarah Seni yang diajarkan di sekolah dan diulangi di institusi seni seperti museum dan galeri, seseorang dapat memetakan momen-momen menentukan dari berbagai seniman dan gaya artistik mereka.

Tema Dan Tren Umum Dalam Pameran Seni

allisonschulnik – Pemetaan ini juga memudahkan kami untuk menggambar motif dan tren umum dalam Sejarah Seni, memungkinkan kami untuk melihat bagaimana tema dan motif yang berulang diperlakukan berbeda di setiap era. Beberapa motif umum ini adalah:

1.Referensi diri

Referensi diri atau potret diri adalah tema berulang yang sangat umum dalam komunitas seni. Apakah itu untuk mendokumentasikan diri mereka sendiri atau untuk melatih keterampilan mereka tanpa harus membayar model, kami tidak dapat mengaitkan alasan konkret dengan praktik ini. Meskipun pedagang seni mengatakan potret diri sulit untuk dijual, kurator seni tahu nilainya dan menganggapnya sebagai bagian penting dari koleksi seniman.

Dimulai pada Renaisans Awal (pertengahan abad ke-15), sejarawan seni telah memperhatikan bahwa seniman suka menggambarkan diri mereka sendiri dalam karya mereka, baik itu lukisan dinding Renaisans atau Potret realistik. Seniman seperti Michelangelo dan Raphael telah meninggalkan bukti diri mereka sendiri dalam lukisan dinding yang ditugaskan seperti di The Last Judgment yang terkenal oleh Michelangelo dan The School of Athens oleh Raphael.

2.Mitologi

Mitologi adalah bagian dari hampir semua budaya di Dunia. Pada Renaisans Italia abad ke-15, para seniman ditugaskan untuk melukis lukisan dinding di langit-langit gereja. Periode ini adalah kebangkitan seni dan Mitologi Yunani; karenanya, representasi tokoh-tokoh alkitabiah mengambil ciri-ciri yang sangat maskulin. Dalam lukisan Michelangelo, The Last Judgment fresco di langit-langit Kapel Sistina di Vatikan menunjukkan Yesus sebagai pemimpin otoriter.

Baca Juga : Pameran Seni Di Art Auction Audacity Wajib Kalian Kunjungi

Adam dan Hawa juga merupakan kisah alkitabiah yang telah berulang kali direpresentasikan dalam seni barat.Dalam seni India, Raja Ravi Verma dikreditkan untuk mewakili Dewa dan Dewi India sebagai sosok manusia yang realistis. Meskipun Dewa dan Dewi India sangat sering muncul dalam kesenian rakyat kita, Raja Ravi Verma memberikan arti yang berbeda pada figur tersebut sebagai inspirasi.

3.Kehidupan sehari-hari

Pada abad ke-16 dan ke-17 Eropa utara, khususnya di Belanda, penggambaran kehidupan sehari-hari menjadi salah satu subjek utama lukisan. Seniman merekam pesta, jamuan makan, permainan dan olahraga, bar, pasar, rumah, dan bahkan bekerja di ladang, seringkali dengan detail lucu. Lukisan-lukisan ini begitu populer hingga menjadi ‘genre’ tersendiri.

Lukisan-lukisan ini memiliki pengaruh besar pada kaum Impresionis abad ke-19. Karena Impresionis melukis dengan cepat di luar ruangan, mereka dapat menangkap hiruk pikuk kehidupan kota dan pedesaan sehari-hari. Seniman-seniman seperti Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Edgar Degas, antara lain menunjukkan geraknya dalam kehidupan sehari-hari dengan baik. Di Amerika, Mary Cassatt dan Winslow Homer adalah dua seniman yang mengabadikan kehidupan sehari-hari secara ekstensif dalam karya mereka.

4.Lanskap

Sekali lagi, mulai dari periode Zaman Keemasan Belanda (abad ke-15), Bentang Alam menjadi subjek populer dalam seni. Jacob Van Ruisdael adalah salah satu seniman realis Belanda terkemuka yang menggambarkan pemandangan indah Belanda.Bentang alam dipraktikkan lagi selama periode Impresionis di mana seniman seperti Claude Monet, Vincent Van Gogh, Camille Pissaro, antara lain melukis pemandangan yang sama pada waktu yang berbeda dalam setahun.

5.Masih hidup

Still life adalah ‘genre’ lukisan yang berfokus pada objek diam dengan fokus pada objek rumah tangga, bunga, atau buah-buahan. Mangkuk buah dan rangkaian bunga adalah pilihan populer karena terbuat dari bentuk yang sederhana.

Tetap saja, kehidupan pertama kali berasal dari Belanda abad ke-17. Ini adalah lukisan pesanan untuk memamerkan kekayaan dan kemewahan milik orang kaya. Mereka dipandang sebagai simbol status dan merayakan keberhasilan perdagangan Belanda. Alhasil, semua objek dalam lukisan tampak realistis dan semenarik mungkin.

Populer kembali di abad ke-19, Fauvisme mengeksplorasi Still Life dengan cara yang berbeda. Karya lukis fauvist dengan warna-warna berani, cerah, dan melebih-lebihkan gambar dengan melukis pola yang menarik perhatian yang memikat mata.Pada abad ke-20, Kubisme dan Surealisme juga memasukkan elemen Still Life seperti jam, alat musik, meja, vas bunga, dll.

6.Politik dan Nasionalisme

Pada periode Renaisans Italia (abad ke-15), Politik dan Nasionalisme diwakili oleh lukisan pertempuran di mana sang jenderal dilukis dengan bendera kerajaan yang menang. Pada abad ke-17, Lukisan Militer kembali menjadi sangat penting pada masa Zaman Keemasan Belanda. Abad ke-18 melihat penggambaran pertempuran sebagian besar mengadopsi pandangan mata burung, yang membuatnya kurang menarik untuk dilukis dan banyak seniman yang tidak mencoba melukis adegan Pertempuran.Seni militer tetap populer selama sisa abad ke-19 di sebagian besar Eropa. Seniman Prancis seperti Ernest Meissonier, Edouard Detaille, dan Alphonse de Neuville mendirikan lukisan bergenre militer di Paris Salon.

Ernest Meisonier

Di India, lukisan perang sudah ada sejak lama. Beberapa mural candi kami menggambarkan pertempuran epik Ramayana dan Mahabharata. Pada masa Mughal, lukisan miniatur Mughal juga mendokumentasikan kemenangan kerajaan melalui lukisan pertempuran.Di India abad ke-20, saat kami semakin dekat menuju Kemerdekaan kami, sekelompok seniman dari Kalkuta menghasilkan karya dengan simbolisme Nasionalistik yang kental. Karya-karya ini termasuk Bharat Mata karya Abanindranath Tagore (1905) dan lukisan Haripura karya Nandalal Bose.

7.Tubuh Wanita

Tubuh perempuan telah menjadi simbol yang konsisten dari keindahan halus dalam seni. Tatapan seniman laki-laki terlihat dalam representasi tubuh perempuan telanjang sejak awal representasi Malam Alkitab selama Renaisans Italia. Tatapan mata ini telah teruji oleh waktu, dan interpretasi seperti itu tentang tubuh wanita yang sempurna ada bahkan dalam lukisan seni modern.

Albrecht Durer

Dalam seni Yunani, wanita dieksplorasi dengan representasi berbagai dewi Yunani seperti Venus dan Aphrodite. Dalam Kesenian India, dewi-dewi seperti Parvati, Laxmi dan Saraswati/Durga telah dieksplorasi dalam bentuk kekuatan.Seniman Modern India telah berusaha untuk menunjukkan kekuatan tubuh seksual perempuan alih-alih kerentanannya. Anda dapat menemukan interpretasi seperti itu dalam karya-karya Raja Ravi Verma, FN Souza dan KH Ara dan artis wanita paling terkemuka Amrita Sher-Gil, di antara seniman Modern lainnya.

Pameran Seni Di Art Auction Audacity Wajib Kalian Kunjungi

Pameran Seni Di Art Auction Audacity Wajib Kalian Kunjungi – Pernahkah Anda melihat kartu pos suatu tujuan dan bertanya-tanya apakah suatu tempat benar-benar bisa seindah yang digambarkan? Jenewa, Swiss adalah salah satu tempat layak kartu pos yang tidak hanya memenuhi tetapi melebihi ekspektasi keindahan yang diiklankan.

Pameran Seni Di Art Auction Audacity Wajib Kalian Kunjungi

allisonschulnik – Dikelilingi oleh lanskap pegunungan besar yang tertutup salju tercermin di danau kaca yang tenang, penggembalaan ternak dengan lonceng besar yang digantung di leher mereka, dan toko-toko kuno berbaris di jalan berbatu semua itu membuat Anda bertanya-tanya apakah Anda jatuh ke dalam peri kisah. Tapi kota yang makmur dan indah ini juga memiliki tempat yang sangat kontras dengan lingkungannya yang indah.

Di dekat tepi Danau Jenewa berdiri Geneva Freeport, sebuah kompleks yang terdiri dari tujuh gudang krem ​​\u200b\u200btanpa hiasan dan gudang biji-bijian besar yang dikelilingi oleh pagar rantai tinggi. Pemandangan yang agak sederhana ini telah digunakan sebagai fasilitas penyimpanan selama hampir 150 tahun, sejak 1888, ketika itu hanyalah deretan gubuk. Namun, sejak itu, ia telah tumbuh sepuluh kali lipat dan mengklaim klien elit internasional sebagai penggunanya, yang bergerak di luar pagar rantai dan di bawah eksterior betonnya untuk menampung barang bernilai ratusan miliar dolar termasuk seni rupa.

Geneva Freeport adalah wilayah yang tidak dikenai pajak, surga pajak yang selamanya tidak tersentuh oleh undang-undang keuangan yang ketat. Bagi banyak orang, itu masuk akal– karena orang yang sangat kaya ingin menghemat uang sebanyak menghasilkan uang, bukan? Tetapi bahkan institusi yang tenang dan rendah hati seperti Geneva Freeport dapat terlibat dalam skandal internasional yang melibatkan tentu saja salah satu lukisan termahal yang pernah dijual di lelang.

Baca Juga : Lukisan Pablo Picasso Karya Eduardo Vidal

Sebagian orang beranggapan bahwa seni visual itu kering, membosankan, tidak bernyawa. Tapi cerita di balik lukisan, pahatan, gambar, dan foto itu lebih aneh, lebih keterlaluan, atau lebih menyenangkan dari yang bisa Anda bayangkan. Di season delapan, kita mendalami kisah di balik karya termahal yang pernah dijual di lelang, termasuk kisah tentang apa yang disebut Bouvier Affair dan lukisan Mark Rothko No. 6 (Violet, Green, dan Red). Ini adalah Podcast ArtCurious, menjelajahi hal-hal yang tak terduga, sedikit aneh, dan luar biasa indah dalam Sejarah Seni. Saya Jennifer Dasal.

Lukisan bidang warna Mark Rothko yang penuh hormat, santai, dan memikat mungkin adalah salah satu karya seni terakhir yang dianggap akan terjebak dalam skandal dunia seni kotor. Jika Anda pernah memiliki hak istimewa untuk mengalami Rothko secara langsung – salah satu seniman modern favorit pribadi saya, omong-omong – maka Anda akan tahu efek menenangkan dan menghipnotis yang dimiliki oleh salah satu kanvas besarnya yang diblokir warna. Seringkali, karya seniman pertengahan abad ke-20 ini ditampilkan di ruangan remang-remang dengan bangku-bangku yang ditata di depan kanvas. Ini menciptakan ruang yang tenang, kontemplatif, dan tenang.

Meskipun pilihan warnanya terkadang cerah, mencolok, atau bahkan sumbang, perpaduan halus rona Rothko memikat dan mengundang pemirsa ke alam suci. Saya sering merasakan sesuatu yang mirip dengan kualitas meditatif ketika saya melihat lukisan Mark Rothko– jadi bagi saya, “suci” masuk akal, secara emosional. Dan memang, saya tidak sendirian dalam ide ini: di Houston, Texas Rothko bahkan ditugaskan untuk membuat karya untuk sebuah kapel yang, seperti kapel keagamaan lainnya, didirikan dengan barisan bangku seolah-olah untuk ibadah, tetapi bukannya diwarnai.

kaca, ikon, atau patung orang suci atau dewa, sebagai gantinya ada beberapa lukisan bidang warna besar. Dan Anda menyukai atau membenci Kapel Rothko (tebak di sisi mana saya berada). Bagi saya, lukisan-lukisan ini memiliki kekuatan untuk membawa kita, sebagai penonton, ke dunia yang sakral dan luhur, untuk membuka pikiran kepada yang ilahi– dan memang, ini adalah salah satu tujuan utama Mark Rothko: untuk menciptakan visi modern tentang halus, untuk membangkitkan perasaan dan emosi pada pemirsa hanya dengan rendering warna yang abstrak di atas kanvas. Dan lukisan Rothko berjudul, Nomor 6 (Ungu, Hijau, dan Merah), tidak terkecuali cita-cita luhur ini.

Ini menggambarkan dengan tepat apa yang disimpulkan oleh judulnya yaitu bidang warna ungu, hijau, dan merah, diberi jarak dan dipadukan dengan indah untuk menciptakan karya yang menakjubkan. Tapi ini bukan lukisan biasa, karena lukisan ini akhirnya akan dijual dengan harga memecahkan rekor $186 juta dolar pada Agustus 2014. Tiga warna. Satu kanvas. $186 juta dolar. Bagaimana cara kerja ini menghasilkan jumlah yang sangat besar, dan mengapa? Dan apa skandal dunia seni di baliknya?

Sebelum kita menjawab semua pertanyaan ini, mari kita lihat sedikit latar belakang artis itu sendiri. Mark Rothko lahir sebagai Markus Rothkowitz di Latvia (kemudian di bawah kendali Rusia) pada tahun 1903 dari orang tua Yahudi, tetapi tumbuh dengan hubungan yang tegang dan kompleks dengan agama. Setelah ayahnya meninggal ketika dia masih sangat muda, Rothkowitz muda patah hati, dan dia bersumpah tidak akan pernah memasuki sinagoga lagi.

Tapi seperti yang kita ketahui sekarang, spiritual masih memanggil seniman ini, dan akan memainkan peran sentral dalam karir seninya di kemudian hari. Setelah keluarganya beremigrasi dari Latvia ke Portland, Oregon pada tahun 1913, Rothko berjuang untuk menemukan arahnya, meskipun dia adalah murid yang luar biasa. Dia pertama kali bekerja di gudang di bawah pengawasan pamannya sebelum menerima beasiswa untuk kuliah Universitas Yale, di mana dia ingin belajar sains dan seni liberal. Namun ketika beasiswanya tidak diperpanjang pada tahun berikutnya, Rothkowitz keluar. Tetapi seni masih memanggilnya, dan akhirnya dia menemukan dirinya di New York City, di mana dia bergabung dengan Liga Mahasiswa Seni dan mendaftar di Parsons, Sekolah Desain Baru.

Itu adalah Liga Mahasiswa Seni yang paling mengesankan bagi seniman muda, karena di sanalah ia diinstruksikan oleh seniman abstrak Arshile Gorky dan oleh seniman kubisme Max Weber, sesama Yahudi Lituania yang merupakan bagian dari avant Prancis. gerakan -garde. Dengan pengaruh seniman dan mata tajam ini, Rothko mulai memandang seni dalam hidupnya sendiri sebagai cara untuk merasakan emosi dan membuka dunia pengabdian religius yang dulu tertutup. Rasa hausnya akan seni ekspresif yang baru dipadamkan dengan pengaruh Ekspresionis Jerman dan kancah seni New York yang baru muncul.

Dia bertemu artis seperti Adolph Gottlieb, Barnett Newman, Joseph Solman, dan John Graham, yang semuanya merupakan bagian dari grup yang mengelilingi artis Miton Avery. Avery-lah yang sangat memengaruhi gaya artistik Rothko sendiri dan yang, menurut kutipan penulis biografi James EB Breslin, “memberi Rothko gagasan bahwa [kehidupan seniman profesional] adalah sebuah kemungkinan.”

Dengan koneksi komunitas artistik yang baru ditemukannya, dia mulai memamerkan karya di berbagai galeri di New York. Tetapi karya-karya awal ini memiliki sedikit kemiripan dengan karya-karya yang dia puji saat ini. Alih-alih lukisan bidang warnanya yang terkenal, karya-karya ini diredam, urban, dan figural adegan yang meniru gaya yang lebih kekanak-kanakan dan minimal. Telah dicatat bahwa selama periode ini, Rothko telah mulai mengajar seni kepada anak-anak di Akademi Pusat, Pusat Yahudi Brooklyn di mana dia tinggal sampai tahun 1952.

Dia mungkin terinspirasi oleh karya seni remaja yang diproduksi oleh murid-muridnya, mungkin mengadaptasi gaya artistiknya sendiri. agar sesuai dengan gaya mereka yang sederhana dan alami. Secara bersamaan, dia termotivasi oleh kancah seni New York yang tumbuh dan sekitar Depresi Hebat, di mana dia bergabung dengan seniman progresif lainnya yang berbasis di New York, seperti Ilya Bolotowsky, Ben-Zion, Adolph Gottlieb, Lou Harris, Ralph Rosenborg , dan lain-lain. Bersama-sama, mereka menyebut diri mereka “The Ten” dan menghasilkan karya eksperimental dan modern selama masa yang sangat sulit dalam sejarah bangsa kita.

Dan itu adalah rentang waktu yang tetap sulit bagi Rothkowitz secara pribadi juga. Seperti banyak orang selama Depresi, dia berjuang untuk memenuhi kebutuhan, dan ketika Perang Dunia Kedua tiba, keadaan juga tidak membaik untuknya– dan faktanya, dia takut gelombang anti-Semitisme akan memperburuk pengalamannya.

di AS Jadi inilah saat Markus Rothkowitz secara resmi mengubah namanya menjadi Mark Rothko agar terdengar lebih “Amerika”. Entah itu membuat perbedaan besar, atau mungkin dia tidak perlu terlalu khawatir, karena tahun 1940-an sebenarnya terbukti menjadi titik balik dalam karir artistik Rothko menjadi lebih baik, karena di bagian akhir dekade itulah dia berkembang. apa yang kemudian dikenal sebagai lukisan “bidang warna” -nya. Untuk mencapai efek warna yang menyala, Rothko akan menodai kanvasnya dengan mengaplikasikan lapisan tipis cat, satu di atas yang lain. Lapisan-lapisan lembut ini kemudian dapat dilihat satu sama lain, menciptakan sensasi kedalaman dan luminositas, seperti karya-karya yang dinyalakan dari dalam.

Dan ketika diproduksi dalam format yang lebih besar seperti banyak karya Rothko lainnya, mereka dapat membangkitkan emosi yang dalam di dalam diri kita, para penonton. Sangat membingungkan, dalam banyak hal, karena lukisan-lukisan ini abstrak sapuan warna, tidak terikat pada bentuk atau narasi. Dan mungkin justru kesederhanaan inilah yang membuat karyanya begitu kuat: seperti yang ditulis Rothko sendiri dalam surat kepada New York Times pada tahun 1943, mengutip, “… ekspresi sederhana dari pemikiran yang rumit.”

Rothko terkait erat dengan cita-cita Ekspresionis Abstrak bahwa bentuk dan garis dasar serta warna murni dapat membangkitkan emosi dan perasaan yang kuat. Tetapi tidak seperti Ekspresionis Abstrak lainnya pada masa itu, Rothko tidak memercikkan cat dengan kasar ke kanvasnya– dia bukan Jackson Pollock– dia juga tidak mengukir lempengan cat tebal di sekitar dia juga bukan Willem de Kooning.

Sebaliknya, dia agak pendiam, kontemplatif, dan meditatif ketika dia melukis – hampir seolah-olah melukis adalah latihan spiritual baginya. Dan memang, dia juga ingin menciptakan ruang dalam seninya untuk memungkinkan peneguhan spiritual pemirsa juga. Seperti yang pernah dia katakan, kutipan: “orang-orang yang menangis di depan gambar saya memiliki pengalaman religius yang sama dengan yang saya alami ketika saya melukisnya.” Rothko tidak ingin penonton menafsirkan karyanya terlalu banyak untuk mengalaminya; sebagai tanggapan atas komposisinya yang diisi dengan bentuk amorf dan rona bercahaya, dia mencatat, mengutip, “Diam itu sangat akurat.”

Maju cepat beberapa dekade dan keheningan tidak hanya akurat tetapi juga terbukti merusak dalam urusan antara pedagang seni Swiss Yves Bouvier dan klien oligarki Rusia-nya, Dmitry Rybolovlev, Yves Bouvier adalah seorang pria yang mengubah bisnis transportasi seni ayahnya di Geneva Freeport dan mengubahnya menjadi pusat elit untuk menyimpan dan mengirimkan karya seni. Seni perkapalan bukanlah pekerjaan yang paling glamor dalam rantai pasokan seni, tetapi ini jelas merupakan pekerjaan yang sangat penting, pekerjaan yang tidak hanya membutuhkan perawatan dan pengaturan terbaik, tetapi juga kebijaksanaan yang tinggi.

Bayangkan ini: Anda seorang agen transit seni, dan Anda mengetahui rahasia informasi sensitif setiap hari tentang seni apa yang dikirim masuk dan keluar, berapa banyak yang diasuransikan, ke mana perginya, dan siapa yang berpotensi memperoleh atau menjual karya. Banyak dari ini, tentu saja, adalah informasi pribadi, tetapi nilainya dipahami: pengetahuan Anda, kemudian, menjadikan Anda roda penggerak yang sangat penting dalam mesin seni.

Dan di sinilah Bouvier, di bawah perannya sebagai pengirim seni yang agak sederhana, mulai membayangkan hal-hal yang lebih besar dan lebih baik untuk dirinya sendiri. Dia terutama menganggap dirinya sebagai pedagang seni yang sedang berkembang, dan pada tahun 2002, pertemuan dengan seekor ikan besar terbukti menjadi tangkapan yang paling menguntungkan.

Lukisan Pablo Picasso Karya Eduardo Vidal

Lukisan Pablo Picasso Karya Eduardo Vidal – Dari kelas ini saya telah belajar tentang banyak hal para seniman yang telah mempengaruhi seni pada umumnya.

Lukisan Pablo Picasso Karya Eduardo Vidal

allisonschulnik – Dari ” gua pria pelukis ” yang mengilhami seni awal dan modern, untuk pelukis Renaisans klasik, seperti Da Vinci dan Michelangelo , dan para impresionis, di antara banyak lainnya. Namun, artis yang kami bicarakan di kelas ini yang menyebabkannya kesan terbesar bagi saya adalah Pablo Picasso .

Miliknya seni serta kepribadiannya (dengan kepribadian yang unik) tampak tidak hanya memengaruhi pelukis, tetapi tampaknya juga memengaruhi merevolusi seni modern dan mempengaruhi dunia pada umumnya, dengan kata lain: Picasso adalah seorang jenius yang unik.

Karena itu, saya memutuskan untuk menulis tentang kehidupan Pablo Picasso, gagasannya, dan kontribusinya terhadap seni dan dunia. Saya telah menggunakan sumber yang berbeda untuk ini penelitian, tetapi sumber utama saya adalah ” Picasso Terbaik ” oleh Brigitte Leal, Christine Piot, Marie-Laure Bernadac . Buku hebat ini tidak hanya mencakup artis Picasso, tetapi juga Picasso pria itu.

Karena saya bukan jurusan seni atau ahli, tapi hanya pengagum seni yang sederhana, makalah ini akan menampilkan karya Picasso kehidupan dan kontribusi terhadap seni dari perspektif yang lebih historis.

Karena jumlah lukisan Picasso sangat banyak, saya akan melakukannya tidak berani mencoba membicarakan semuanya, tetapi sebaliknya saya akan melakukannya membagi makalah ini menjadi pengantar meliputi kehidupan awal, bagian tengah membahas periode dan gayanya, dan sebuah kesimpulan berfokus pada kontribusinya secara keseluruhan serta kepribadiannya.

Baca Juga : Memahami Seni Absurd Michael Cheval

Pablo Ruiz Picasso, anak pertama Jose Juan Blasco dan Maria Picasso y Lopez lahir pada 25 Oktober 1881. Orang tuanya memiliki dua anak lagi, Dolores dan Konsepsi.

Keluarga itu hidup sederhana di Malaga di bagian selatan Spanyol. Kemudian keluarganya pindah ke La Coruna (bagian utara Spanyol). Setelah beberapa tahun mereka pindah lagi ke Barcelona (di Pantai Timur Spanyol).

Menurut ibunya, Picasso menunjukkan kecintaannya pada lukisan untuk pertama kalinya ketika dia mengucapkan kata pertamanya: “piz, piz”, berarti “pensil”. Picasso tidak pernah menunjukkan minat untuk sekolah kecuali untuk kelas yang berhubungan dengan seni. Pada usia sebelas, anak laki-laki itu bergabung dengan Sekolah Seni Rupa , tapi ayahnya, yang adalah seorang guru menggambar dan pelukis sendiri, yang mengajarkan sebagian besar dari apa yang Picasso pelajari hingga saat ini kemudian.

Beberapa teman masa kecil dan anggota keluarganya percaya dia adalah anak ajaib, meskipun gambar awalnya tidak menunjukkan kualitas unik dari seorang jenius. Lukisan minyak pertamanya, yang dia simpan sepanjang hidupnya disebut “El Picador” , tema umum dalam adegan pertarungan banteng. Satu pemikiran itu biasa dalam gambarnya adalah subjek merpati dan adu banteng.

Pada tahun 1895, ketika keluarga itu tinggal di Barcelona, ​​kemampuan artistik Picasso menjadi lebih jelas dari sebelumnya. Dia lulus ujian masuknya di klasik seni dan benda mati di sekolah yang sama, tampil lebih baik bekerja daripada siswa senior dalam ujian akhir mereka. Pada tahun 1896, lukisan cat minyak besar pertamanya “The Komuni Pertama” dipamerkan di Barcelona.

Setahun kemudian, dia melukis ” Sains dan Amal ” dan mendapat kehormatan disebutkan di Madrid pada pameran denda nasional seni dan medali emas dalam kompetisi di Malaga. Dia penting untuk dicatat bahwa pada saat itu dia hanya 16 tahun. Dengan bantuan keuangan dari pamannya dia pindah ke Madrid untuk belajar di Royal Akademi San Fernando , tetapi segera memutuskan itu pergi ke Prado museum lebih penting daripada mengambil kelas seni, jadi dia keluar dari Royal Academy. Kunjungannya ke museum menjadi sangat penting dalam periode pertama karirnya, karena seperti banyak seniman modern lainnya, Picasso punya “periode klasisisme” ketika dia mencoba meniru gaya master lama.

Pada tahun 1898, Picasso kembali ke Barcelona untuk alasan medis. Kepindahannya kembali ke Barcelona akan mengubah dirinya kehidupan dengan berbagai cara. Dia mulai sering ” The Four Cats ” kafe populer di kalangan seniman dan intelektual. Di sana ia bertemu dengan para seniman Modernisme Spanyol gerakan, seperti Santiago Rusiñol , dan pelukis seperti Carlos Casagemas .

Dia juga bertemu seseorang yang akan menjadi salah satu sahabatnya dan sekretarisnya, penyair Jaime Sabartés . Suasana baru membuat artis muda meninggalkan gaya klasiknya dan memulai periode pencarian dan menemukan pengalaman baru dalam karirnya. Selama periode ini, Picasso mengungkapkan idenya bahwa seorang mahasiswa seni seharusnya tidak wajib mengikuti sekolah yang sudah berdiri, tetapi harus bebas untuk mengeksplorasi gaya dan idenya sendiri. Pencarian ini untuk perubahan menyebabkan kerusakan dalam hubungannya dengan nya orang tua yang tidak dapat menerima minatnya pada seni modern.

Pada tahun 1900, selama masa pencarian ini, Picasso pindah ke kota yang merupakan pusat seni utama, Paris, di mana dia membuka studio di bohemian Montmartre Tempat. Pedro Manach menawarkan kontrak pertama Picasso (150 Franc per bulan). Gambar pertama yang dia lukis di Paris adalah ” Le Moulin de la Galette ” di mana seseorang bisa perhatikan bahwa gaya Picasso telah berubah dan dia telah pergi gaya klasiknya di belakang.

Di sini kita bisa melihat perubahan subjek materi (sekarang kehidupan malam di Paris) dan dalam penggunaan warna dan sapuan kuas (warna lebih cerah dengan gambar yang tidak jelas, seperti gambar yang diambil saat orang sedang bergerak). Dalam hubungan kepada Picasso orangnya, saya dapat menambahkan bahwa meskipun dia mapan dirinya di Paris, ia terus melakukan perjalanan bolak-balik ke banyak tempat di Eropa (khususnya Spanyol), menunjukkan salah satu merek dagangnya: tidak pernah menetap di tempat tertentu sambil hidup gelisah untuk sebagian besar hidupnya.

Karier Picasso terdefinisi dengan baik oleh periode yang berbeda. Antara 1901 dan 1906 dia bekerja di bawah periode “biru dan mawar” . Picasso menggunakan warna biru dan merah muda yang hampir eksklusif dalam lukisannya. Ada semacam kesedihan dalam dirinya bekerja, karena bunuh diri pelukis Casagemas pada tahun 1901.

Pada tahun 1904 Picasso bertemu dengan seorang model yang sudah menikah bernama Fernande Olivier dan mereka menjadi sepasang kekasih. Hubungan mereka berlangsung selama kurang lebih tujuh tahun. Mereka biasa pergi ke sirkus Medrano tempat Picasso mendapatkan idenya untuk sirkusnya tema. Picasso sering mengunjungi bar ” Le Lapin Agile ” di mana dia bertemu dengan para penyair Guillaume Apollinaire dan Max Yakub . Fakta yang menarik adalah bahwa Picasso digunakan lukisannya sebagai pembayaran untuk layanan di bar.

Pada tahun 1905 dia menambahkan warna pink dan mawar, beberapa nuansa kuning dan juga warna abu-abu. Sosoknya juga menjadi lebih halus dan masuk akal. Pada tahun 1906 Picasso sudah mampu menjual sebagian besar “masa mawar” nya pekerjaan, yang membantunya menyelesaikan masalah keuangannya. Di tahun yang sama, dia bepergian dengan kekasihnya Fernande ke Spanyol, di mana dia melukis ” La Toilette .” Dia juga mulai bekerja dengan bentuk geometris.

Periode berikutnya adalah antara 1907 dan 1917. Periode ini sangat penting tidak hanya seperti Picasso (serta Braque karir ), tetapi juga sebagai satu salah satu gaya seni paling berpengaruh di zaman kita. Itu disebut Kubisme. Lukisan kubis pertama adalah “Les Demoiselles d’ Avignon”.

Lukisan pada tahun 1907, selama “periode negro”. milik Picasso daya tarik untuk topeng dan patung Afrika adalah inspirasi untuk sebagian besar periode ini. Dia bercampur primitif seni dan gayanya sendiri dan menciptakan Kubisme. Gaya baru ini juga sangat kontroversial di antara orang-orang. Beberapa suka itu beberapa membencinya.

Teman Picasso, George Braque, mulai berkolaborasi dengan dia dalam karya kubisme. Pada tahun 1908 kedua seniman itu sadar mereka telah melukis gambar yang serupa tetapi secara keseluruhan cara independen satu sama lain. Kubisme dibagi menjadi dua periode. Pertama, itu ” analitis kubisme ” di mana tidak ada penggunaan pusat perspektif dan menggunakan pemisahan bentuk.

Picasso sang artis menjadi jenius yang hanya bisa dibandingkan dengan sedikit manusia. Dia menghargai seni tidak hanya dengan miliknya gaya kreatif dan unik, tetapi juga dengan banyaknya lukisan, gambar, dan patung yang dia hasilkan. Picasso adalah seorang bermasalah, eksentrik, pria bermasalah yang tidak pernah bisa menetap dengan wanita atau tempat tempat tinggal, mungkin apa yang bisa kita sebut “semangat bebas”.

Picasso, pria itu, juga seorang aktivis. Dia berjuang untuk perdamaian sampai hari-hari terakhirnya. Namun, betapapun bermasalahnya Picasso, pria itu dibayangi oleh seninya sendiri. Selain itu, meskipun mungkin tidak seperti karya-karyanya, tidak dapat disangkal bahwa tanpa Picasso, seni modern dan dunia akan jauh lebih miskin, itulah mengapa saya memutuskan untuk menulis tentang salah satu artis favorit saya sepanjang masa, Pablo Picasso yang unik.