Pameran Seni Di Art Auction Audacity Wajib Kalian Kunjungi – Pernahkah Anda melihat kartu pos suatu tujuan dan bertanya-tanya apakah suatu tempat benar-benar bisa seindah yang digambarkan? Jenewa, Swiss adalah salah satu tempat layak kartu pos yang tidak hanya memenuhi tetapi melebihi ekspektasi keindahan yang diiklankan.

Pameran Seni Di Art Auction Audacity Wajib Kalian Kunjungi

allisonschulnik – Dikelilingi oleh lanskap pegunungan besar yang tertutup salju tercermin di danau kaca yang tenang, penggembalaan ternak dengan lonceng besar yang digantung di leher mereka, dan toko-toko kuno berbaris di jalan berbatu semua itu membuat Anda bertanya-tanya apakah Anda jatuh ke dalam peri kisah. Tapi kota yang makmur dan indah ini juga memiliki tempat yang sangat kontras dengan lingkungannya yang indah.

Di dekat tepi Danau Jenewa berdiri Geneva Freeport, sebuah kompleks yang terdiri dari tujuh gudang krem ​​\u200b\u200btanpa hiasan dan gudang biji-bijian besar yang dikelilingi oleh pagar rantai tinggi. Pemandangan yang agak sederhana ini telah digunakan sebagai fasilitas penyimpanan selama hampir 150 tahun, sejak 1888, ketika itu hanyalah deretan gubuk. Namun, sejak itu, ia telah tumbuh sepuluh kali lipat dan mengklaim klien elit internasional sebagai penggunanya, yang bergerak di luar pagar rantai dan di bawah eksterior betonnya untuk menampung barang bernilai ratusan miliar dolar termasuk seni rupa.

Geneva Freeport adalah wilayah yang tidak dikenai pajak, surga pajak yang selamanya tidak tersentuh oleh undang-undang keuangan yang ketat. Bagi banyak orang, itu masuk akal– karena orang yang sangat kaya ingin menghemat uang sebanyak menghasilkan uang, bukan? Tetapi bahkan institusi yang tenang dan rendah hati seperti Geneva Freeport dapat terlibat dalam skandal internasional yang melibatkan tentu saja salah satu lukisan termahal yang pernah dijual di lelang.

Baca Juga : Lukisan Pablo Picasso Karya Eduardo Vidal

Sebagian orang beranggapan bahwa seni visual itu kering, membosankan, tidak bernyawa. Tapi cerita di balik lukisan, pahatan, gambar, dan foto itu lebih aneh, lebih keterlaluan, atau lebih menyenangkan dari yang bisa Anda bayangkan. Di season delapan, kita mendalami kisah di balik karya termahal yang pernah dijual di lelang, termasuk kisah tentang apa yang disebut Bouvier Affair dan lukisan Mark Rothko No. 6 (Violet, Green, dan Red). Ini adalah Podcast ArtCurious, menjelajahi hal-hal yang tak terduga, sedikit aneh, dan luar biasa indah dalam Sejarah Seni. Saya Jennifer Dasal.

Lukisan bidang warna Mark Rothko yang penuh hormat, santai, dan memikat mungkin adalah salah satu karya seni terakhir yang dianggap akan terjebak dalam skandal dunia seni kotor. Jika Anda pernah memiliki hak istimewa untuk mengalami Rothko secara langsung – salah satu seniman modern favorit pribadi saya, omong-omong – maka Anda akan tahu efek menenangkan dan menghipnotis yang dimiliki oleh salah satu kanvas besarnya yang diblokir warna. Seringkali, karya seniman pertengahan abad ke-20 ini ditampilkan di ruangan remang-remang dengan bangku-bangku yang ditata di depan kanvas. Ini menciptakan ruang yang tenang, kontemplatif, dan tenang.

Meskipun pilihan warnanya terkadang cerah, mencolok, atau bahkan sumbang, perpaduan halus rona Rothko memikat dan mengundang pemirsa ke alam suci. Saya sering merasakan sesuatu yang mirip dengan kualitas meditatif ketika saya melihat lukisan Mark Rothko– jadi bagi saya, “suci” masuk akal, secara emosional. Dan memang, saya tidak sendirian dalam ide ini: di Houston, Texas Rothko bahkan ditugaskan untuk membuat karya untuk sebuah kapel yang, seperti kapel keagamaan lainnya, didirikan dengan barisan bangku seolah-olah untuk ibadah, tetapi bukannya diwarnai.

kaca, ikon, atau patung orang suci atau dewa, sebagai gantinya ada beberapa lukisan bidang warna besar. Dan Anda menyukai atau membenci Kapel Rothko (tebak di sisi mana saya berada). Bagi saya, lukisan-lukisan ini memiliki kekuatan untuk membawa kita, sebagai penonton, ke dunia yang sakral dan luhur, untuk membuka pikiran kepada yang ilahi– dan memang, ini adalah salah satu tujuan utama Mark Rothko: untuk menciptakan visi modern tentang halus, untuk membangkitkan perasaan dan emosi pada pemirsa hanya dengan rendering warna yang abstrak di atas kanvas. Dan lukisan Rothko berjudul, Nomor 6 (Ungu, Hijau, dan Merah), tidak terkecuali cita-cita luhur ini.

Ini menggambarkan dengan tepat apa yang disimpulkan oleh judulnya yaitu bidang warna ungu, hijau, dan merah, diberi jarak dan dipadukan dengan indah untuk menciptakan karya yang menakjubkan. Tapi ini bukan lukisan biasa, karena lukisan ini akhirnya akan dijual dengan harga memecahkan rekor $186 juta dolar pada Agustus 2014. Tiga warna. Satu kanvas. $186 juta dolar. Bagaimana cara kerja ini menghasilkan jumlah yang sangat besar, dan mengapa? Dan apa skandal dunia seni di baliknya?

Sebelum kita menjawab semua pertanyaan ini, mari kita lihat sedikit latar belakang artis itu sendiri. Mark Rothko lahir sebagai Markus Rothkowitz di Latvia (kemudian di bawah kendali Rusia) pada tahun 1903 dari orang tua Yahudi, tetapi tumbuh dengan hubungan yang tegang dan kompleks dengan agama. Setelah ayahnya meninggal ketika dia masih sangat muda, Rothkowitz muda patah hati, dan dia bersumpah tidak akan pernah memasuki sinagoga lagi.

Tapi seperti yang kita ketahui sekarang, spiritual masih memanggil seniman ini, dan akan memainkan peran sentral dalam karir seninya di kemudian hari. Setelah keluarganya beremigrasi dari Latvia ke Portland, Oregon pada tahun 1913, Rothko berjuang untuk menemukan arahnya, meskipun dia adalah murid yang luar biasa. Dia pertama kali bekerja di gudang di bawah pengawasan pamannya sebelum menerima beasiswa untuk kuliah Universitas Yale, di mana dia ingin belajar sains dan seni liberal. Namun ketika beasiswanya tidak diperpanjang pada tahun berikutnya, Rothkowitz keluar. Tetapi seni masih memanggilnya, dan akhirnya dia menemukan dirinya di New York City, di mana dia bergabung dengan Liga Mahasiswa Seni dan mendaftar di Parsons, Sekolah Desain Baru.

Itu adalah Liga Mahasiswa Seni yang paling mengesankan bagi seniman muda, karena di sanalah ia diinstruksikan oleh seniman abstrak Arshile Gorky dan oleh seniman kubisme Max Weber, sesama Yahudi Lituania yang merupakan bagian dari avant Prancis. gerakan -garde. Dengan pengaruh seniman dan mata tajam ini, Rothko mulai memandang seni dalam hidupnya sendiri sebagai cara untuk merasakan emosi dan membuka dunia pengabdian religius yang dulu tertutup. Rasa hausnya akan seni ekspresif yang baru dipadamkan dengan pengaruh Ekspresionis Jerman dan kancah seni New York yang baru muncul.

Dia bertemu artis seperti Adolph Gottlieb, Barnett Newman, Joseph Solman, dan John Graham, yang semuanya merupakan bagian dari grup yang mengelilingi artis Miton Avery. Avery-lah yang sangat memengaruhi gaya artistik Rothko sendiri dan yang, menurut kutipan penulis biografi James EB Breslin, “memberi Rothko gagasan bahwa [kehidupan seniman profesional] adalah sebuah kemungkinan.”

Dengan koneksi komunitas artistik yang baru ditemukannya, dia mulai memamerkan karya di berbagai galeri di New York. Tetapi karya-karya awal ini memiliki sedikit kemiripan dengan karya-karya yang dia puji saat ini. Alih-alih lukisan bidang warnanya yang terkenal, karya-karya ini diredam, urban, dan figural adegan yang meniru gaya yang lebih kekanak-kanakan dan minimal. Telah dicatat bahwa selama periode ini, Rothko telah mulai mengajar seni kepada anak-anak di Akademi Pusat, Pusat Yahudi Brooklyn di mana dia tinggal sampai tahun 1952.

Dia mungkin terinspirasi oleh karya seni remaja yang diproduksi oleh murid-muridnya, mungkin mengadaptasi gaya artistiknya sendiri. agar sesuai dengan gaya mereka yang sederhana dan alami. Secara bersamaan, dia termotivasi oleh kancah seni New York yang tumbuh dan sekitar Depresi Hebat, di mana dia bergabung dengan seniman progresif lainnya yang berbasis di New York, seperti Ilya Bolotowsky, Ben-Zion, Adolph Gottlieb, Lou Harris, Ralph Rosenborg , dan lain-lain. Bersama-sama, mereka menyebut diri mereka “The Ten” dan menghasilkan karya eksperimental dan modern selama masa yang sangat sulit dalam sejarah bangsa kita.

Dan itu adalah rentang waktu yang tetap sulit bagi Rothkowitz secara pribadi juga. Seperti banyak orang selama Depresi, dia berjuang untuk memenuhi kebutuhan, dan ketika Perang Dunia Kedua tiba, keadaan juga tidak membaik untuknya– dan faktanya, dia takut gelombang anti-Semitisme akan memperburuk pengalamannya.

di AS Jadi inilah saat Markus Rothkowitz secara resmi mengubah namanya menjadi Mark Rothko agar terdengar lebih “Amerika”. Entah itu membuat perbedaan besar, atau mungkin dia tidak perlu terlalu khawatir, karena tahun 1940-an sebenarnya terbukti menjadi titik balik dalam karir artistik Rothko menjadi lebih baik, karena di bagian akhir dekade itulah dia berkembang. apa yang kemudian dikenal sebagai lukisan “bidang warna” -nya. Untuk mencapai efek warna yang menyala, Rothko akan menodai kanvasnya dengan mengaplikasikan lapisan tipis cat, satu di atas yang lain. Lapisan-lapisan lembut ini kemudian dapat dilihat satu sama lain, menciptakan sensasi kedalaman dan luminositas, seperti karya-karya yang dinyalakan dari dalam.

Dan ketika diproduksi dalam format yang lebih besar seperti banyak karya Rothko lainnya, mereka dapat membangkitkan emosi yang dalam di dalam diri kita, para penonton. Sangat membingungkan, dalam banyak hal, karena lukisan-lukisan ini abstrak sapuan warna, tidak terikat pada bentuk atau narasi. Dan mungkin justru kesederhanaan inilah yang membuat karyanya begitu kuat: seperti yang ditulis Rothko sendiri dalam surat kepada New York Times pada tahun 1943, mengutip, “… ekspresi sederhana dari pemikiran yang rumit.”

Rothko terkait erat dengan cita-cita Ekspresionis Abstrak bahwa bentuk dan garis dasar serta warna murni dapat membangkitkan emosi dan perasaan yang kuat. Tetapi tidak seperti Ekspresionis Abstrak lainnya pada masa itu, Rothko tidak memercikkan cat dengan kasar ke kanvasnya– dia bukan Jackson Pollock– dia juga tidak mengukir lempengan cat tebal di sekitar dia juga bukan Willem de Kooning.

Sebaliknya, dia agak pendiam, kontemplatif, dan meditatif ketika dia melukis – hampir seolah-olah melukis adalah latihan spiritual baginya. Dan memang, dia juga ingin menciptakan ruang dalam seninya untuk memungkinkan peneguhan spiritual pemirsa juga. Seperti yang pernah dia katakan, kutipan: “orang-orang yang menangis di depan gambar saya memiliki pengalaman religius yang sama dengan yang saya alami ketika saya melukisnya.” Rothko tidak ingin penonton menafsirkan karyanya terlalu banyak untuk mengalaminya; sebagai tanggapan atas komposisinya yang diisi dengan bentuk amorf dan rona bercahaya, dia mencatat, mengutip, “Diam itu sangat akurat.”

Maju cepat beberapa dekade dan keheningan tidak hanya akurat tetapi juga terbukti merusak dalam urusan antara pedagang seni Swiss Yves Bouvier dan klien oligarki Rusia-nya, Dmitry Rybolovlev, Yves Bouvier adalah seorang pria yang mengubah bisnis transportasi seni ayahnya di Geneva Freeport dan mengubahnya menjadi pusat elit untuk menyimpan dan mengirimkan karya seni. Seni perkapalan bukanlah pekerjaan yang paling glamor dalam rantai pasokan seni, tetapi ini jelas merupakan pekerjaan yang sangat penting, pekerjaan yang tidak hanya membutuhkan perawatan dan pengaturan terbaik, tetapi juga kebijaksanaan yang tinggi.

Bayangkan ini: Anda seorang agen transit seni, dan Anda mengetahui rahasia informasi sensitif setiap hari tentang seni apa yang dikirim masuk dan keluar, berapa banyak yang diasuransikan, ke mana perginya, dan siapa yang berpotensi memperoleh atau menjual karya. Banyak dari ini, tentu saja, adalah informasi pribadi, tetapi nilainya dipahami: pengetahuan Anda, kemudian, menjadikan Anda roda penggerak yang sangat penting dalam mesin seni.

Dan di sinilah Bouvier, di bawah perannya sebagai pengirim seni yang agak sederhana, mulai membayangkan hal-hal yang lebih besar dan lebih baik untuk dirinya sendiri. Dia terutama menganggap dirinya sebagai pedagang seni yang sedang berkembang, dan pada tahun 2002, pertemuan dengan seekor ikan besar terbukti menjadi tangkapan yang paling menguntungkan.