Tag: Allison Schulnik

Tag: Allison Schulnik

Pameran Seni Di Art Auction Audacity Wajib Kalian Kunjungi

Pameran Seni Di Art Auction Audacity Wajib Kalian Kunjungi – Pernahkah Anda melihat kartu pos suatu tujuan dan bertanya-tanya apakah suatu tempat benar-benar bisa seindah yang digambarkan? Jenewa, Swiss adalah salah satu tempat layak kartu pos yang tidak hanya memenuhi tetapi melebihi ekspektasi keindahan yang diiklankan.

Pameran Seni Di Art Auction Audacity Wajib Kalian Kunjungi

allisonschulnik – Dikelilingi oleh lanskap pegunungan besar yang tertutup salju tercermin di danau kaca yang tenang, penggembalaan ternak dengan lonceng besar yang digantung di leher mereka, dan toko-toko kuno berbaris di jalan berbatu semua itu membuat Anda bertanya-tanya apakah Anda jatuh ke dalam peri kisah. Tapi kota yang makmur dan indah ini juga memiliki tempat yang sangat kontras dengan lingkungannya yang indah.

Di dekat tepi Danau Jenewa berdiri Geneva Freeport, sebuah kompleks yang terdiri dari tujuh gudang krem ​​\u200b\u200btanpa hiasan dan gudang biji-bijian besar yang dikelilingi oleh pagar rantai tinggi. Pemandangan yang agak sederhana ini telah digunakan sebagai fasilitas penyimpanan selama hampir 150 tahun, sejak 1888, ketika itu hanyalah deretan gubuk. Namun, sejak itu, ia telah tumbuh sepuluh kali lipat dan mengklaim klien elit internasional sebagai penggunanya, yang bergerak di luar pagar rantai dan di bawah eksterior betonnya untuk menampung barang bernilai ratusan miliar dolar termasuk seni rupa.

Geneva Freeport adalah wilayah yang tidak dikenai pajak, surga pajak yang selamanya tidak tersentuh oleh undang-undang keuangan yang ketat. Bagi banyak orang, itu masuk akal– karena orang yang sangat kaya ingin menghemat uang sebanyak menghasilkan uang, bukan? Tetapi bahkan institusi yang tenang dan rendah hati seperti Geneva Freeport dapat terlibat dalam skandal internasional yang melibatkan tentu saja salah satu lukisan termahal yang pernah dijual di lelang.

Baca Juga : Lukisan Pablo Picasso Karya Eduardo Vidal

Sebagian orang beranggapan bahwa seni visual itu kering, membosankan, tidak bernyawa. Tapi cerita di balik lukisan, pahatan, gambar, dan foto itu lebih aneh, lebih keterlaluan, atau lebih menyenangkan dari yang bisa Anda bayangkan. Di season delapan, kita mendalami kisah di balik karya termahal yang pernah dijual di lelang, termasuk kisah tentang apa yang disebut Bouvier Affair dan lukisan Mark Rothko No. 6 (Violet, Green, dan Red). Ini adalah Podcast ArtCurious, menjelajahi hal-hal yang tak terduga, sedikit aneh, dan luar biasa indah dalam Sejarah Seni. Saya Jennifer Dasal.

Lukisan bidang warna Mark Rothko yang penuh hormat, santai, dan memikat mungkin adalah salah satu karya seni terakhir yang dianggap akan terjebak dalam skandal dunia seni kotor. Jika Anda pernah memiliki hak istimewa untuk mengalami Rothko secara langsung – salah satu seniman modern favorit pribadi saya, omong-omong – maka Anda akan tahu efek menenangkan dan menghipnotis yang dimiliki oleh salah satu kanvas besarnya yang diblokir warna. Seringkali, karya seniman pertengahan abad ke-20 ini ditampilkan di ruangan remang-remang dengan bangku-bangku yang ditata di depan kanvas. Ini menciptakan ruang yang tenang, kontemplatif, dan tenang.

Meskipun pilihan warnanya terkadang cerah, mencolok, atau bahkan sumbang, perpaduan halus rona Rothko memikat dan mengundang pemirsa ke alam suci. Saya sering merasakan sesuatu yang mirip dengan kualitas meditatif ketika saya melihat lukisan Mark Rothko– jadi bagi saya, “suci” masuk akal, secara emosional. Dan memang, saya tidak sendirian dalam ide ini: di Houston, Texas Rothko bahkan ditugaskan untuk membuat karya untuk sebuah kapel yang, seperti kapel keagamaan lainnya, didirikan dengan barisan bangku seolah-olah untuk ibadah, tetapi bukannya diwarnai.

kaca, ikon, atau patung orang suci atau dewa, sebagai gantinya ada beberapa lukisan bidang warna besar. Dan Anda menyukai atau membenci Kapel Rothko (tebak di sisi mana saya berada). Bagi saya, lukisan-lukisan ini memiliki kekuatan untuk membawa kita, sebagai penonton, ke dunia yang sakral dan luhur, untuk membuka pikiran kepada yang ilahi– dan memang, ini adalah salah satu tujuan utama Mark Rothko: untuk menciptakan visi modern tentang halus, untuk membangkitkan perasaan dan emosi pada pemirsa hanya dengan rendering warna yang abstrak di atas kanvas. Dan lukisan Rothko berjudul, Nomor 6 (Ungu, Hijau, dan Merah), tidak terkecuali cita-cita luhur ini.

Ini menggambarkan dengan tepat apa yang disimpulkan oleh judulnya yaitu bidang warna ungu, hijau, dan merah, diberi jarak dan dipadukan dengan indah untuk menciptakan karya yang menakjubkan. Tapi ini bukan lukisan biasa, karena lukisan ini akhirnya akan dijual dengan harga memecahkan rekor $186 juta dolar pada Agustus 2014. Tiga warna. Satu kanvas. $186 juta dolar. Bagaimana cara kerja ini menghasilkan jumlah yang sangat besar, dan mengapa? Dan apa skandal dunia seni di baliknya?

Sebelum kita menjawab semua pertanyaan ini, mari kita lihat sedikit latar belakang artis itu sendiri. Mark Rothko lahir sebagai Markus Rothkowitz di Latvia (kemudian di bawah kendali Rusia) pada tahun 1903 dari orang tua Yahudi, tetapi tumbuh dengan hubungan yang tegang dan kompleks dengan agama. Setelah ayahnya meninggal ketika dia masih sangat muda, Rothkowitz muda patah hati, dan dia bersumpah tidak akan pernah memasuki sinagoga lagi.

Tapi seperti yang kita ketahui sekarang, spiritual masih memanggil seniman ini, dan akan memainkan peran sentral dalam karir seninya di kemudian hari. Setelah keluarganya beremigrasi dari Latvia ke Portland, Oregon pada tahun 1913, Rothko berjuang untuk menemukan arahnya, meskipun dia adalah murid yang luar biasa. Dia pertama kali bekerja di gudang di bawah pengawasan pamannya sebelum menerima beasiswa untuk kuliah Universitas Yale, di mana dia ingin belajar sains dan seni liberal. Namun ketika beasiswanya tidak diperpanjang pada tahun berikutnya, Rothkowitz keluar. Tetapi seni masih memanggilnya, dan akhirnya dia menemukan dirinya di New York City, di mana dia bergabung dengan Liga Mahasiswa Seni dan mendaftar di Parsons, Sekolah Desain Baru.

Itu adalah Liga Mahasiswa Seni yang paling mengesankan bagi seniman muda, karena di sanalah ia diinstruksikan oleh seniman abstrak Arshile Gorky dan oleh seniman kubisme Max Weber, sesama Yahudi Lituania yang merupakan bagian dari avant Prancis. gerakan -garde. Dengan pengaruh seniman dan mata tajam ini, Rothko mulai memandang seni dalam hidupnya sendiri sebagai cara untuk merasakan emosi dan membuka dunia pengabdian religius yang dulu tertutup. Rasa hausnya akan seni ekspresif yang baru dipadamkan dengan pengaruh Ekspresionis Jerman dan kancah seni New York yang baru muncul.

Dia bertemu artis seperti Adolph Gottlieb, Barnett Newman, Joseph Solman, dan John Graham, yang semuanya merupakan bagian dari grup yang mengelilingi artis Miton Avery. Avery-lah yang sangat memengaruhi gaya artistik Rothko sendiri dan yang, menurut kutipan penulis biografi James EB Breslin, “memberi Rothko gagasan bahwa [kehidupan seniman profesional] adalah sebuah kemungkinan.”

Dengan koneksi komunitas artistik yang baru ditemukannya, dia mulai memamerkan karya di berbagai galeri di New York. Tetapi karya-karya awal ini memiliki sedikit kemiripan dengan karya-karya yang dia puji saat ini. Alih-alih lukisan bidang warnanya yang terkenal, karya-karya ini diredam, urban, dan figural adegan yang meniru gaya yang lebih kekanak-kanakan dan minimal. Telah dicatat bahwa selama periode ini, Rothko telah mulai mengajar seni kepada anak-anak di Akademi Pusat, Pusat Yahudi Brooklyn di mana dia tinggal sampai tahun 1952.

Dia mungkin terinspirasi oleh karya seni remaja yang diproduksi oleh murid-muridnya, mungkin mengadaptasi gaya artistiknya sendiri. agar sesuai dengan gaya mereka yang sederhana dan alami. Secara bersamaan, dia termotivasi oleh kancah seni New York yang tumbuh dan sekitar Depresi Hebat, di mana dia bergabung dengan seniman progresif lainnya yang berbasis di New York, seperti Ilya Bolotowsky, Ben-Zion, Adolph Gottlieb, Lou Harris, Ralph Rosenborg , dan lain-lain. Bersama-sama, mereka menyebut diri mereka “The Ten” dan menghasilkan karya eksperimental dan modern selama masa yang sangat sulit dalam sejarah bangsa kita.

Dan itu adalah rentang waktu yang tetap sulit bagi Rothkowitz secara pribadi juga. Seperti banyak orang selama Depresi, dia berjuang untuk memenuhi kebutuhan, dan ketika Perang Dunia Kedua tiba, keadaan juga tidak membaik untuknya– dan faktanya, dia takut gelombang anti-Semitisme akan memperburuk pengalamannya.

di AS Jadi inilah saat Markus Rothkowitz secara resmi mengubah namanya menjadi Mark Rothko agar terdengar lebih “Amerika”. Entah itu membuat perbedaan besar, atau mungkin dia tidak perlu terlalu khawatir, karena tahun 1940-an sebenarnya terbukti menjadi titik balik dalam karir artistik Rothko menjadi lebih baik, karena di bagian akhir dekade itulah dia berkembang. apa yang kemudian dikenal sebagai lukisan “bidang warna” -nya. Untuk mencapai efek warna yang menyala, Rothko akan menodai kanvasnya dengan mengaplikasikan lapisan tipis cat, satu di atas yang lain. Lapisan-lapisan lembut ini kemudian dapat dilihat satu sama lain, menciptakan sensasi kedalaman dan luminositas, seperti karya-karya yang dinyalakan dari dalam.

Dan ketika diproduksi dalam format yang lebih besar seperti banyak karya Rothko lainnya, mereka dapat membangkitkan emosi yang dalam di dalam diri kita, para penonton. Sangat membingungkan, dalam banyak hal, karena lukisan-lukisan ini abstrak sapuan warna, tidak terikat pada bentuk atau narasi. Dan mungkin justru kesederhanaan inilah yang membuat karyanya begitu kuat: seperti yang ditulis Rothko sendiri dalam surat kepada New York Times pada tahun 1943, mengutip, “… ekspresi sederhana dari pemikiran yang rumit.”

Rothko terkait erat dengan cita-cita Ekspresionis Abstrak bahwa bentuk dan garis dasar serta warna murni dapat membangkitkan emosi dan perasaan yang kuat. Tetapi tidak seperti Ekspresionis Abstrak lainnya pada masa itu, Rothko tidak memercikkan cat dengan kasar ke kanvasnya– dia bukan Jackson Pollock– dia juga tidak mengukir lempengan cat tebal di sekitar dia juga bukan Willem de Kooning.

Sebaliknya, dia agak pendiam, kontemplatif, dan meditatif ketika dia melukis – hampir seolah-olah melukis adalah latihan spiritual baginya. Dan memang, dia juga ingin menciptakan ruang dalam seninya untuk memungkinkan peneguhan spiritual pemirsa juga. Seperti yang pernah dia katakan, kutipan: “orang-orang yang menangis di depan gambar saya memiliki pengalaman religius yang sama dengan yang saya alami ketika saya melukisnya.” Rothko tidak ingin penonton menafsirkan karyanya terlalu banyak untuk mengalaminya; sebagai tanggapan atas komposisinya yang diisi dengan bentuk amorf dan rona bercahaya, dia mencatat, mengutip, “Diam itu sangat akurat.”

Maju cepat beberapa dekade dan keheningan tidak hanya akurat tetapi juga terbukti merusak dalam urusan antara pedagang seni Swiss Yves Bouvier dan klien oligarki Rusia-nya, Dmitry Rybolovlev, Yves Bouvier adalah seorang pria yang mengubah bisnis transportasi seni ayahnya di Geneva Freeport dan mengubahnya menjadi pusat elit untuk menyimpan dan mengirimkan karya seni. Seni perkapalan bukanlah pekerjaan yang paling glamor dalam rantai pasokan seni, tetapi ini jelas merupakan pekerjaan yang sangat penting, pekerjaan yang tidak hanya membutuhkan perawatan dan pengaturan terbaik, tetapi juga kebijaksanaan yang tinggi.

Bayangkan ini: Anda seorang agen transit seni, dan Anda mengetahui rahasia informasi sensitif setiap hari tentang seni apa yang dikirim masuk dan keluar, berapa banyak yang diasuransikan, ke mana perginya, dan siapa yang berpotensi memperoleh atau menjual karya. Banyak dari ini, tentu saja, adalah informasi pribadi, tetapi nilainya dipahami: pengetahuan Anda, kemudian, menjadikan Anda roda penggerak yang sangat penting dalam mesin seni.

Dan di sinilah Bouvier, di bawah perannya sebagai pengirim seni yang agak sederhana, mulai membayangkan hal-hal yang lebih besar dan lebih baik untuk dirinya sendiri. Dia terutama menganggap dirinya sebagai pedagang seni yang sedang berkembang, dan pada tahun 2002, pertemuan dengan seekor ikan besar terbukti menjadi tangkapan yang paling menguntungkan.

Wawancara Allison Schulnik Dengan Greg Carlson

Wawancara Allison Schulnik Dengan Greg Carlson – Artis multi-faceted Allison Schulnik telah mendapatkan reputasi sebagai fenomena di beberapa disiplin ilmu, mulai dari musik hingga lukisan hingga pembuatan film. Film pendek terbarunya “Mound” baru-baru ini dinobatkan sebagai honorable mention dalam animasi untuk Festival Film Fargo 2012.

Wawancara Allison Schulnik Dengan Greg Carlson

 

 Baca Juga : Wawancara Dengan Allison Schulnik Tentang Penundaan Dan Badut Menakutkan

allisonschulnik – Potongan stop-motion menakjubkan yang menggunakan tanah liat, kain, dan bahan lain untuk menghidupkan sekelompok figur yang berubah secara sempurna dikoreografikan dengan “It’s Raining Today” karya Scott Walker yang tak terlupakan. Schulnik berbicara dengan Greg Carlson dari High Plains Reader.

GC: Jika saya memahami sejarah dengan benar, awal hubungan Anda dengan Grizzly Bear terjadi ketika Anda pertama kali menghubungi band tentang penggunaan “Granny Diner” untuk film Anda “Hobo Clown.” Pernahkah Anda mengenal mereka sebelumnya atau hanya menahan napas dan mengambil kesempatan?

AS: Itu benar. Saya tidak mengenal mereka, saya ingin menggunakan lagu untuk “Hobo Clown” dan menulis label mereka. Mereka bilang ya. Kemudian tahun berikutnya, mereka meminta saya untuk membuat lagu untuk lagu “Ready, Able.” Maka datanglah “Hutan.”

GC: Semangat Anda untuk seni melampaui animasi untuk memasukkan lukisan, patung, musik, dan tari. Aku lelah hanya dengan memikirkannya. Apakah seorang gila kerja? Apakah Anda berpacu dengan waktu?

AS: Benar lagi. Saya seorang yang gila kerja. Seorang penghidup. Pasti di balapan. Benar-benar membuat barang hanyalah cara untuk tetap waras (relatif).

GC: Badut Hobo, yang mewujudkan dialektika harapan/keputusasaan dan tawa/air mata ini telah berkembang menjadi salah satu subjek khas Anda. Apakah Anda menghabiskan waktu menghadiri sirkus sebagai seorang anak? Apakah Anda takut badut?

AS: Sebagian besar lukisan saya adalah potret diri saya, teman-teman dan orang-orang terkasih, dan bahkan orang-orang yang saya lihat di jalan dan tidak saya kenal sama sekali. Saya suka sirkus. Saya suka teater musikal, tari dan pertunjukan. Saya suka pemainnya, dan saya suka badut. Saya tidak pernah benar-benar takut badut, saya tidak berpikir. Tentu saja, banyak orang yang saya dengar. Coulrofobia. Saya bisa mengerti bagaimana badut bisa dianggap jahat.

Sepertinya orang lebih takut pada badut hari ini daripada di masa lalu. Mungkin ide menyembunyikan wajah Anda benar-benar membuat orang takut karena ada semacam ketidakjujuran di dalamnya; kamu tidak bisa dibaca. Namun, sebenarnya saya melihat riasan badut sebagai ekspresinya yang paling benar. Saya suka pelarian dari itu semua, fantasi itu. Tidak harus menjadi diri sendiri. Orang ingin Anda tetap berada dalam kenyataan, bukan menyajikan sesuatu yang tidak nyata.

Mungkin itu sebabnya beberapa anak menyukai badut, karena mereka merayakan fantasi. Ada begitu banyak jenis badut. Ada sesuatu yang sangat menarik bagi saya tentang karakter Badut Hobo, sesuatu yang sangat jujur ​​dan tragis.

GC: Anda telah menggambarkan bekerja dengan musik keras dari berbagai genre dari metal hingga nada-nada pertunjukan, dan setiap kali Anda menyebut Streisand, “Don’t Rain on My Parade” muncul di kepala saya. Apakah Anda memiliki rekaman Streisand favorit? Apakah Anda pernah bernyanyi bersama?

AS: Salah satu favorit saya dari Babs pasti. Juga penggemar berat lagu “Papa Can You Hear Me” yang menyayat hati, duet gerah “Guilty” dengan Barry Gibb, dan tentu saja lagu yang benar-benar sempurna yaitu “Send in the Clowns.” Ini benar-benar terlalu sulit untuk memilih hanya satu. Aku bisa pergi selamanya. Sayangnya untuk tetangga studio saya, saya bernyanyi bersama.

GC: Apa hal yang paling berharga tentang menghadiri CalArts dan belajar dengan Jules Engel? Karier pria itu hampir di luar pemahaman.

AS: Setiap momen di CalArts sangat bermanfaat. Saya menyukai program Animasi Eksperimental yang saya ikuti. Sungguh program yang luar biasa dengan Jules yang memimpinnya. Setiap Senin pagi, dia akan membuka otak Anda dan memberi Anda hanya mahakarya animasi avant-garde yang paling lezat selama 3 jam, sambil berseru dengan aksen Austrianya yang kental, “Apa Permata” dan “Apakah Anda melihat Lakers itu selama akhir pekan? ?”

Saya bahkan tidak bisa membayangkan program ini tanpa dia. Saya juga tidak bisa membayangkan program Animasi Karakter – di mana saya menghabiskan separuh waktu saya – tanpa Corny Cole dan Mike Mitchell yang brilian, yang juga baru saja lulus. Mereka adalah tiga guru terhebat saya, dan tentu saja hal terbaik tentang CalArts.

GC: Saya tahu Anda suka “King Kong.” Bisakah Anda mengidentifikasi satu atau dua momen transenden dalam animasi O’Brien? Saya tidak dapat memberi tahu Anda berapa kali saya telah memutar ulang Kong menguji engsel rahang musuhnya yang mati atau mencoba memahami dampak dari senapan mesin biplan.

AS: Bagian yang bagus memang. Anda harus menyukai pengungkapan pertama Kong, dan saya benci menjadi tipikal, tetapi saya menyukai seluruh urutan pendakian Empire State Building. Bagaimana tidak?

GC: Apa karya seni pertama yang Anda jual? Bagaimana itu membuat Anda merasa?

AS: Saya tidak ingat. Saya sedang mengerjakan pekerjaan saya di pantai, dan ke tetangga dan teman keluarga ketika saya berusia 14 tahun. Saya pikir itu pasti salah satu pastel yang saya lakukan. Saya akan berkeliling dan membuat pastel di lorong-lorong. Tidak yakin mengapa gang, mungkin karena Anda bisa sendirian di dalamnya dan orang-orang tidak akan mengganggu Anda, atau mereka memiliki lebih banyak sampah dan penyimpangan yang membuatnya lebih menarik. Itu membuat saya merasa baik untuk menjualnya.

GC: Saya pikir saya telah menonton “Mound” seratus kali dan setiap kali saya melihatnya saya tidak pernah ingin itu berakhir. Sudahkah Anda mempertimbangkan untuk membuat animasi dengan bentuk yang lebih panjang?

AS: Ya, pasti. Setiap film yang saya buat dimulai sebagai fitur, dan akhirnya menjadi pendek. “Mound” mungkin merupakan bagian pertama dari fitur di banyak bagian. Atau tidak.

Wawancara Dengan Allison Schulnik Tentang Penundaan Dan Badut Menakutkan

Wawancara Dengan Allison Schulnik Tentang Penundaan Dan Badut Menakutkan – Karya seni Allison Schulnik menggambarkan sosok orang luar yang hancur yang ada di suatu tempat antara sirkus dan kuburan.

Wawancara Dengan Allison Schulnik Tentang Penundaan Dan Badut Menakutkan

 Baca Juga : Allison Schulnik Mendorong Claymation Ke Batas Psikedeliknya

allisonschulnik – Jika alur cerita manis dari dongeng pengantar tidur berubah menjadi mimpi buruk yang bengkok dalam semalam, kami membayangkan hasilnya akan menyerupai ramuan mendalam Schulnik.

Melalui lukisan, pahatan, dan film animasi, Schulnik menciptakan dunia alternatif di mana kerangka tampak dibangun dari lapisan gula dan daging usang menetes dari tulang seperti daging yang terlalu matang. Gelandangan, penyihir, dan badut yang dipertanyakan sama mencurigakannya dengan mereka yang menyedihkan.

Namun karakter utama dalam sebagian besar karya Schulnik adalah material itu sendiri, cat yang dilapisi terlalu banyak sehingga memiliki kehidupannya sendiri. Apakah gumpalan cat menghidupkan subjek Schulnik atau melahap semuanya masih menjadi pertanyaan, namun hampir tidak mungkin membayangkan makhluk Schulnik yang putus asa dalam keadaan apa pun selain cat yang bergerak lambat ini.

Untuk pameran museum pertamanya “ex•pose,” Schulnik mempersembahkan pilihan karyanya yang paling melucuti senjata bersama dengan tiga film animasinya “Hobo Clown” (2008), “Forest” (2009) dan “Mound” (2011). Untuk mengantisipasi pameran, kami menghubungi Schulnik untuk mempelajari lebih lanjut tentang proses dan kehidupannya di luar pekerjaannya. Gulir ke bawah untuk tayangan slide gambar.

Allison Schulnik: Saya suka California. Saya selalu ingin lebih banyak bergerak. Saya suka bepergian dan menjelajahi tempat-tempat baru. Saya tidak pernah benar-benar menemukan tempat yang lebih baik untuk hidup. Ini benar-benar tempat yang sempurna bagi saya untuk bekerja dan menjadi. Los Angeles khususnya memiliki perpaduan sempurna antara kesendirian, ruang dan komunitas dan saya suka di sini.

HP: Banyak karakter Anda mengingat sosok masa kecil yang membusuk, dari badut hingga putri duyung hingga anak kucing. Apakah subjek berulang ini hadir dalam imajinasi masa kecil Anda?

AS: Ya, mungkin seperti kebanyakan anak-anak. Saya tidak tahu apakah ada yang membusuk, tapi saya rasa ada semacam penguraian. Mungkin kadang-kadang sedikit bernanah, sedikit tarring dan berbulu di lain waktu. Namun, saya tanpa malu-malu sentimental dan berharap untuk merayakannya pada saat yang sama. Saya mencoba memberikan harapan dan pemahaman untuk karakter yang saya kerjakan. Ya, saya mungkin sedikit terhambat dalam perkembangan saya. Saya suka fantasi dan khayalan, tapi saya rasa karena saya bukan lagi anak-anak, saya diberitahu, beberapa kenyataan meresap. Wawancara berlanjut setelah tayangan slide.

HP: Apa yang Anda terobsesi di luar pekerjaan?

AS: Berkebun. Saya suka menanam, tetapi kemudian saya mengalami masalah dengan perawatannya. Saya menanam kebun besar baru-baru ini. Seseorang (Anda tahu siapa Anda) memberi tahu saya bahwa itu tampak seperti monster tanaman yang muntah di mana-mana. Oke, jadi ini sedikit panik dan berlebihan. Hanya sekelompok tanaman yang tidak benar-benar cocok bersama, saya berdesakan, tidak memperhitungkan kebutuhan air dan kebutuhan tanah yang kontras. Sekarang dengan tambahan segunung rumput liar dari hujan, ratusan jamur yang tumbuh entah dari mana, ribuan daun dari pohon ara besar yang sekarang telanjang, itu adalah tumpukan hortikultura yang obsesif. Mereka semua mungkin akan mati begitu saja. Saya kadang-kadang cenderung berlebihan.

HP: Anda telah menyebutkan rentang perhatian Anda yang pendek. Apa saran Anda untuk artis yang suka menunda-nunda?

AS: Jika Anda tidak cukup bekerja, maka bekerjalah lebih banyak. Jika Anda terlalu banyak bekerja, maka istirahatlah. Kelilingi diri Anda dengan orang-orang inspiratif yang peduli dengan Anda. Siklus antara hal-hal. Dan sadarilah terkadang penundaan itu baik dan perlu.

Keith Mayerson dan Allison Schulnik

Keith Mayerson dan Allison Schulnik – ODD ARK LA dengan senang hati mempersembahkan Saya takut ruang kosong, saya suka ruang kosong. Ruang penuh dan ruang kosong , pameran lukisan kucing oleh Keith Mayerson dan lukisan kucing oleh Allison Schulnik – di ruang ODD ARK LA.

Keith Mayerson dan Allison Schulnik

 Baca Juga : Kurator, Profesional Menimbang Seni Kontemporer

allisonschulnik – Saya takut ruang kosong, saya suka ruang kosong. Ruang penuh dan ruang kosong. Ruangan itu tidak kosong, penuh cahaya, dan di ruang itu tergantung lukisan kucing karya Keith Mayerson dan lukisan kucing karya Allison Schulnik. Anda mungkin juga ada di sana. Ini sederhana dan tidak. Ini intens, dan tidak.

Ruang pameran adalah wadah, itu adalah bahtera. Wadah adalah ruang yang membuka kemungkinan-kemungkinan yang mungkin menghasilkan sederet pertanyaan. Beberapa pertanyaan yang mungkin muncul dalam skenario ini adalah: Di mana bidang visual kita mulai dan berhenti saat melihat seni? Apakah ada “titik buta” ketika melihat seni? Jika demikian, apa yang “diisi” oleh otak kita – secara visual dan konseptual. Apa yang kita proyeksikan ke dalam pengalaman dan ke dalam ruang?

Kucing biasanya menggoda jawaban atas pertanyaan seperti ini…

Keith Mayerson telah memamerkan karya seninya secara profesional di galeri dan museum sejak 1993. Pamerannya seringkali berupa instalasi gambar yang menciptakan narasi yang lebih besar. Setiap karya dijiwai dengan konten alegoris yang berhubungan dengan dunia, namun memungkinkan melalui nuansa formal untuk transenden dan luhur. Karya-karya itu berdiri sendiri untuk bentuk dan isinya, tetapi seperti puisi prosa gambar di dinding, yang dialami dalam konteks gambar sebagai rangkaian, pemirsa menciptakan makna tertinggi untuk instalasi. Mayerson adalah Semiotika dan Studio Seni Utama di Brown University di mana ia menerima gelar BA pada tahun 1988. Pada tahun 1993, ia memperoleh gelar MFA dari University of California Irvine, dan sekarang menjadi Profesor Seni di University of Southern California dan Ketua Lukisan dan Menggambar. Mayerson’ Horror Hospital Unplugged , sebuah kolaborasi dengan penulis Dennis Cooper, terkenal di kalangan seniman grafis. Sebuah biografi novel grafis James Dean akan datang, yang akan diterbitkan oleh Fantagraphics. Karya Mayerson secara mencolok ditampilkan di Museum Seni Kontemporer Cleveland dengan pertunjukan solo My American Dream , Whitney Biennial, dan pertunjukan perdana Museum Whitney, America is Hard to See .

Allison Schulnik menggunakan lukisan, animasi dan keramik animasi tradisional buatan tangan untuk membuat kore0grafi subjeknya dalam komp0sisi yang mewujudkan semangat mengerikan, k0medi/tragedi Shakespeare tentang cinta, kematian, dan leluc0n. Karya-karyanya dibandingkan dengan “sang visi0ner komik-aneh James Ens0r” oleh The New Y0rk Times. Pameran tunggal meliputi Museum Seni Wadsworth Atheneum, Hartford, CT; Museum Seni Laguna, Pantai Laguna, CA; Museum Seni Kota Oklahoma, OK; Museum Seni Kontemporer Nerman, Overland Park, KS; Galeri Mark Moore, Los Angeles; ZieherSmith, New York, NY; dan Galeria Javier Lopez & Fer Frances, Madrid. Schulnik telah membuat film animasi sejak dia berusia 17 tahun. Film-filmnya telah dimasukkan dalam festival dan museum terkenal internasional termasuk Museum Hammer, Los Angeles, LACMA, Festival Film Animasi Internasional Annecy dan Animafest Zagreb. Dia menerima “Animasi Eksperimental Terbaik” di Festival Animasi Internasional Ottawa dan Penghargaan Juri Khusus di SXSW FIlm. Karyanya ada di koleksi permanen lebih dari selusin institusi termasuk LACMA dan Museum des Beaux Arts, Montreal. Dia tinggal dan bekerja di Sky Valley, CA.