Pameran Seni Di Art Auction Audacity Wajib Kalian Kunjungi

Pameran Seni Di Art Auction Audacity Wajib Kalian Kunjungi – Pernahkah Anda melihat kartu pos suatu tujuan dan bertanya-tanya apakah suatu tempat benar-benar bisa seindah yang digambarkan? Jenewa, Swiss adalah salah satu tempat layak kartu pos yang tidak hanya memenuhi tetapi melebihi ekspektasi keindahan yang diiklankan.

Pameran Seni Di Art Auction Audacity Wajib Kalian Kunjungi

allisonschulnik – Dikelilingi oleh lanskap pegunungan besar yang tertutup salju tercermin di danau kaca yang tenang, penggembalaan ternak dengan lonceng besar yang digantung di leher mereka, dan toko-toko kuno berbaris di jalan berbatu semua itu membuat Anda bertanya-tanya apakah Anda jatuh ke dalam peri kisah. Tapi kota yang makmur dan indah ini juga memiliki tempat yang sangat kontras dengan lingkungannya yang indah.

Di dekat tepi Danau Jenewa berdiri Geneva Freeport, sebuah kompleks yang terdiri dari tujuh gudang krem ​​\u200b\u200btanpa hiasan dan gudang biji-bijian besar yang dikelilingi oleh pagar rantai tinggi. Pemandangan yang agak sederhana ini telah digunakan sebagai fasilitas penyimpanan selama hampir 150 tahun, sejak 1888, ketika itu hanyalah deretan gubuk. Namun, sejak itu, ia telah tumbuh sepuluh kali lipat dan mengklaim klien elit internasional sebagai penggunanya, yang bergerak di luar pagar rantai dan di bawah eksterior betonnya untuk menampung barang bernilai ratusan miliar dolar termasuk seni rupa.

Geneva Freeport adalah wilayah yang tidak dikenai pajak, surga pajak yang selamanya tidak tersentuh oleh undang-undang keuangan yang ketat. Bagi banyak orang, itu masuk akal– karena orang yang sangat kaya ingin menghemat uang sebanyak menghasilkan uang, bukan? Tetapi bahkan institusi yang tenang dan rendah hati seperti Geneva Freeport dapat terlibat dalam skandal internasional yang melibatkan tentu saja salah satu lukisan termahal yang pernah dijual di lelang.

Baca Juga : Lukisan Pablo Picasso Karya Eduardo Vidal

Sebagian orang beranggapan bahwa seni visual itu kering, membosankan, tidak bernyawa. Tapi cerita di balik lukisan, pahatan, gambar, dan foto itu lebih aneh, lebih keterlaluan, atau lebih menyenangkan dari yang bisa Anda bayangkan. Di season delapan, kita mendalami kisah di balik karya termahal yang pernah dijual di lelang, termasuk kisah tentang apa yang disebut Bouvier Affair dan lukisan Mark Rothko No. 6 (Violet, Green, dan Red). Ini adalah Podcast ArtCurious, menjelajahi hal-hal yang tak terduga, sedikit aneh, dan luar biasa indah dalam Sejarah Seni. Saya Jennifer Dasal.

Lukisan bidang warna Mark Rothko yang penuh hormat, santai, dan memikat mungkin adalah salah satu karya seni terakhir yang dianggap akan terjebak dalam skandal dunia seni kotor. Jika Anda pernah memiliki hak istimewa untuk mengalami Rothko secara langsung – salah satu seniman modern favorit pribadi saya, omong-omong – maka Anda akan tahu efek menenangkan dan menghipnotis yang dimiliki oleh salah satu kanvas besarnya yang diblokir warna. Seringkali, karya seniman pertengahan abad ke-20 ini ditampilkan di ruangan remang-remang dengan bangku-bangku yang ditata di depan kanvas. Ini menciptakan ruang yang tenang, kontemplatif, dan tenang.

Meskipun pilihan warnanya terkadang cerah, mencolok, atau bahkan sumbang, perpaduan halus rona Rothko memikat dan mengundang pemirsa ke alam suci. Saya sering merasakan sesuatu yang mirip dengan kualitas meditatif ketika saya melihat lukisan Mark Rothko– jadi bagi saya, “suci” masuk akal, secara emosional. Dan memang, saya tidak sendirian dalam ide ini: di Houston, Texas Rothko bahkan ditugaskan untuk membuat karya untuk sebuah kapel yang, seperti kapel keagamaan lainnya, didirikan dengan barisan bangku seolah-olah untuk ibadah, tetapi bukannya diwarnai.

kaca, ikon, atau patung orang suci atau dewa, sebagai gantinya ada beberapa lukisan bidang warna besar. Dan Anda menyukai atau membenci Kapel Rothko (tebak di sisi mana saya berada). Bagi saya, lukisan-lukisan ini memiliki kekuatan untuk membawa kita, sebagai penonton, ke dunia yang sakral dan luhur, untuk membuka pikiran kepada yang ilahi– dan memang, ini adalah salah satu tujuan utama Mark Rothko: untuk menciptakan visi modern tentang halus, untuk membangkitkan perasaan dan emosi pada pemirsa hanya dengan rendering warna yang abstrak di atas kanvas. Dan lukisan Rothko berjudul, Nomor 6 (Ungu, Hijau, dan Merah), tidak terkecuali cita-cita luhur ini.

Ini menggambarkan dengan tepat apa yang disimpulkan oleh judulnya yaitu bidang warna ungu, hijau, dan merah, diberi jarak dan dipadukan dengan indah untuk menciptakan karya yang menakjubkan. Tapi ini bukan lukisan biasa, karena lukisan ini akhirnya akan dijual dengan harga memecahkan rekor $186 juta dolar pada Agustus 2014. Tiga warna. Satu kanvas. $186 juta dolar. Bagaimana cara kerja ini menghasilkan jumlah yang sangat besar, dan mengapa? Dan apa skandal dunia seni di baliknya?

Sebelum kita menjawab semua pertanyaan ini, mari kita lihat sedikit latar belakang artis itu sendiri. Mark Rothko lahir sebagai Markus Rothkowitz di Latvia (kemudian di bawah kendali Rusia) pada tahun 1903 dari orang tua Yahudi, tetapi tumbuh dengan hubungan yang tegang dan kompleks dengan agama. Setelah ayahnya meninggal ketika dia masih sangat muda, Rothkowitz muda patah hati, dan dia bersumpah tidak akan pernah memasuki sinagoga lagi.

Tapi seperti yang kita ketahui sekarang, spiritual masih memanggil seniman ini, dan akan memainkan peran sentral dalam karir seninya di kemudian hari. Setelah keluarganya beremigrasi dari Latvia ke Portland, Oregon pada tahun 1913, Rothko berjuang untuk menemukan arahnya, meskipun dia adalah murid yang luar biasa. Dia pertama kali bekerja di gudang di bawah pengawasan pamannya sebelum menerima beasiswa untuk kuliah Universitas Yale, di mana dia ingin belajar sains dan seni liberal. Namun ketika beasiswanya tidak diperpanjang pada tahun berikutnya, Rothkowitz keluar. Tetapi seni masih memanggilnya, dan akhirnya dia menemukan dirinya di New York City, di mana dia bergabung dengan Liga Mahasiswa Seni dan mendaftar di Parsons, Sekolah Desain Baru.

Itu adalah Liga Mahasiswa Seni yang paling mengesankan bagi seniman muda, karena di sanalah ia diinstruksikan oleh seniman abstrak Arshile Gorky dan oleh seniman kubisme Max Weber, sesama Yahudi Lituania yang merupakan bagian dari avant Prancis. gerakan -garde. Dengan pengaruh seniman dan mata tajam ini, Rothko mulai memandang seni dalam hidupnya sendiri sebagai cara untuk merasakan emosi dan membuka dunia pengabdian religius yang dulu tertutup. Rasa hausnya akan seni ekspresif yang baru dipadamkan dengan pengaruh Ekspresionis Jerman dan kancah seni New York yang baru muncul.

Dia bertemu artis seperti Adolph Gottlieb, Barnett Newman, Joseph Solman, dan John Graham, yang semuanya merupakan bagian dari grup yang mengelilingi artis Miton Avery. Avery-lah yang sangat memengaruhi gaya artistik Rothko sendiri dan yang, menurut kutipan penulis biografi James EB Breslin, “memberi Rothko gagasan bahwa [kehidupan seniman profesional] adalah sebuah kemungkinan.”

Dengan koneksi komunitas artistik yang baru ditemukannya, dia mulai memamerkan karya di berbagai galeri di New York. Tetapi karya-karya awal ini memiliki sedikit kemiripan dengan karya-karya yang dia puji saat ini. Alih-alih lukisan bidang warnanya yang terkenal, karya-karya ini diredam, urban, dan figural adegan yang meniru gaya yang lebih kekanak-kanakan dan minimal. Telah dicatat bahwa selama periode ini, Rothko telah mulai mengajar seni kepada anak-anak di Akademi Pusat, Pusat Yahudi Brooklyn di mana dia tinggal sampai tahun 1952.

Dia mungkin terinspirasi oleh karya seni remaja yang diproduksi oleh murid-muridnya, mungkin mengadaptasi gaya artistiknya sendiri. agar sesuai dengan gaya mereka yang sederhana dan alami. Secara bersamaan, dia termotivasi oleh kancah seni New York yang tumbuh dan sekitar Depresi Hebat, di mana dia bergabung dengan seniman progresif lainnya yang berbasis di New York, seperti Ilya Bolotowsky, Ben-Zion, Adolph Gottlieb, Lou Harris, Ralph Rosenborg , dan lain-lain. Bersama-sama, mereka menyebut diri mereka “The Ten” dan menghasilkan karya eksperimental dan modern selama masa yang sangat sulit dalam sejarah bangsa kita.

Dan itu adalah rentang waktu yang tetap sulit bagi Rothkowitz secara pribadi juga. Seperti banyak orang selama Depresi, dia berjuang untuk memenuhi kebutuhan, dan ketika Perang Dunia Kedua tiba, keadaan juga tidak membaik untuknya– dan faktanya, dia takut gelombang anti-Semitisme akan memperburuk pengalamannya.

di AS Jadi inilah saat Markus Rothkowitz secara resmi mengubah namanya menjadi Mark Rothko agar terdengar lebih “Amerika”. Entah itu membuat perbedaan besar, atau mungkin dia tidak perlu terlalu khawatir, karena tahun 1940-an sebenarnya terbukti menjadi titik balik dalam karir artistik Rothko menjadi lebih baik, karena di bagian akhir dekade itulah dia berkembang. apa yang kemudian dikenal sebagai lukisan “bidang warna” -nya. Untuk mencapai efek warna yang menyala, Rothko akan menodai kanvasnya dengan mengaplikasikan lapisan tipis cat, satu di atas yang lain. Lapisan-lapisan lembut ini kemudian dapat dilihat satu sama lain, menciptakan sensasi kedalaman dan luminositas, seperti karya-karya yang dinyalakan dari dalam.

Dan ketika diproduksi dalam format yang lebih besar seperti banyak karya Rothko lainnya, mereka dapat membangkitkan emosi yang dalam di dalam diri kita, para penonton. Sangat membingungkan, dalam banyak hal, karena lukisan-lukisan ini abstrak sapuan warna, tidak terikat pada bentuk atau narasi. Dan mungkin justru kesederhanaan inilah yang membuat karyanya begitu kuat: seperti yang ditulis Rothko sendiri dalam surat kepada New York Times pada tahun 1943, mengutip, “… ekspresi sederhana dari pemikiran yang rumit.”

Rothko terkait erat dengan cita-cita Ekspresionis Abstrak bahwa bentuk dan garis dasar serta warna murni dapat membangkitkan emosi dan perasaan yang kuat. Tetapi tidak seperti Ekspresionis Abstrak lainnya pada masa itu, Rothko tidak memercikkan cat dengan kasar ke kanvasnya– dia bukan Jackson Pollock– dia juga tidak mengukir lempengan cat tebal di sekitar dia juga bukan Willem de Kooning.

Sebaliknya, dia agak pendiam, kontemplatif, dan meditatif ketika dia melukis – hampir seolah-olah melukis adalah latihan spiritual baginya. Dan memang, dia juga ingin menciptakan ruang dalam seninya untuk memungkinkan peneguhan spiritual pemirsa juga. Seperti yang pernah dia katakan, kutipan: “orang-orang yang menangis di depan gambar saya memiliki pengalaman religius yang sama dengan yang saya alami ketika saya melukisnya.” Rothko tidak ingin penonton menafsirkan karyanya terlalu banyak untuk mengalaminya; sebagai tanggapan atas komposisinya yang diisi dengan bentuk amorf dan rona bercahaya, dia mencatat, mengutip, “Diam itu sangat akurat.”

Maju cepat beberapa dekade dan keheningan tidak hanya akurat tetapi juga terbukti merusak dalam urusan antara pedagang seni Swiss Yves Bouvier dan klien oligarki Rusia-nya, Dmitry Rybolovlev, Yves Bouvier adalah seorang pria yang mengubah bisnis transportasi seni ayahnya di Geneva Freeport dan mengubahnya menjadi pusat elit untuk menyimpan dan mengirimkan karya seni. Seni perkapalan bukanlah pekerjaan yang paling glamor dalam rantai pasokan seni, tetapi ini jelas merupakan pekerjaan yang sangat penting, pekerjaan yang tidak hanya membutuhkan perawatan dan pengaturan terbaik, tetapi juga kebijaksanaan yang tinggi.

Bayangkan ini: Anda seorang agen transit seni, dan Anda mengetahui rahasia informasi sensitif setiap hari tentang seni apa yang dikirim masuk dan keluar, berapa banyak yang diasuransikan, ke mana perginya, dan siapa yang berpotensi memperoleh atau menjual karya. Banyak dari ini, tentu saja, adalah informasi pribadi, tetapi nilainya dipahami: pengetahuan Anda, kemudian, menjadikan Anda roda penggerak yang sangat penting dalam mesin seni.

Dan di sinilah Bouvier, di bawah perannya sebagai pengirim seni yang agak sederhana, mulai membayangkan hal-hal yang lebih besar dan lebih baik untuk dirinya sendiri. Dia terutama menganggap dirinya sebagai pedagang seni yang sedang berkembang, dan pada tahun 2002, pertemuan dengan seekor ikan besar terbukti menjadi tangkapan yang paling menguntungkan.

Lukisan Pablo Picasso Karya Eduardo Vidal

Lukisan Pablo Picasso Karya Eduardo Vidal – Dari kelas ini saya telah belajar tentang banyak hal para seniman yang telah mempengaruhi seni pada umumnya.

Lukisan Pablo Picasso Karya Eduardo Vidal

allisonschulnik – Dari ” gua pria pelukis ” yang mengilhami seni awal dan modern, untuk pelukis Renaisans klasik, seperti Da Vinci dan Michelangelo , dan para impresionis, di antara banyak lainnya. Namun, artis yang kami bicarakan di kelas ini yang menyebabkannya kesan terbesar bagi saya adalah Pablo Picasso .

Miliknya seni serta kepribadiannya (dengan kepribadian yang unik) tampak tidak hanya memengaruhi pelukis, tetapi tampaknya juga memengaruhi merevolusi seni modern dan mempengaruhi dunia pada umumnya, dengan kata lain: Picasso adalah seorang jenius yang unik.

Karena itu, saya memutuskan untuk menulis tentang kehidupan Pablo Picasso, gagasannya, dan kontribusinya terhadap seni dan dunia. Saya telah menggunakan sumber yang berbeda untuk ini penelitian, tetapi sumber utama saya adalah ” Picasso Terbaik ” oleh Brigitte Leal, Christine Piot, Marie-Laure Bernadac . Buku hebat ini tidak hanya mencakup artis Picasso, tetapi juga Picasso pria itu.

Karena saya bukan jurusan seni atau ahli, tapi hanya pengagum seni yang sederhana, makalah ini akan menampilkan karya Picasso kehidupan dan kontribusi terhadap seni dari perspektif yang lebih historis.

Karena jumlah lukisan Picasso sangat banyak, saya akan melakukannya tidak berani mencoba membicarakan semuanya, tetapi sebaliknya saya akan melakukannya membagi makalah ini menjadi pengantar meliputi kehidupan awal, bagian tengah membahas periode dan gayanya, dan sebuah kesimpulan berfokus pada kontribusinya secara keseluruhan serta kepribadiannya.

Baca Juga : Memahami Seni Absurd Michael Cheval

Pablo Ruiz Picasso, anak pertama Jose Juan Blasco dan Maria Picasso y Lopez lahir pada 25 Oktober 1881. Orang tuanya memiliki dua anak lagi, Dolores dan Konsepsi.

Keluarga itu hidup sederhana di Malaga di bagian selatan Spanyol. Kemudian keluarganya pindah ke La Coruna (bagian utara Spanyol). Setelah beberapa tahun mereka pindah lagi ke Barcelona (di Pantai Timur Spanyol).

Menurut ibunya, Picasso menunjukkan kecintaannya pada lukisan untuk pertama kalinya ketika dia mengucapkan kata pertamanya: “piz, piz”, berarti “pensil”. Picasso tidak pernah menunjukkan minat untuk sekolah kecuali untuk kelas yang berhubungan dengan seni. Pada usia sebelas, anak laki-laki itu bergabung dengan Sekolah Seni Rupa , tapi ayahnya, yang adalah seorang guru menggambar dan pelukis sendiri, yang mengajarkan sebagian besar dari apa yang Picasso pelajari hingga saat ini kemudian.

Beberapa teman masa kecil dan anggota keluarganya percaya dia adalah anak ajaib, meskipun gambar awalnya tidak menunjukkan kualitas unik dari seorang jenius. Lukisan minyak pertamanya, yang dia simpan sepanjang hidupnya disebut “El Picador” , tema umum dalam adegan pertarungan banteng. Satu pemikiran itu biasa dalam gambarnya adalah subjek merpati dan adu banteng.

Pada tahun 1895, ketika keluarga itu tinggal di Barcelona, ​​kemampuan artistik Picasso menjadi lebih jelas dari sebelumnya. Dia lulus ujian masuknya di klasik seni dan benda mati di sekolah yang sama, tampil lebih baik bekerja daripada siswa senior dalam ujian akhir mereka. Pada tahun 1896, lukisan cat minyak besar pertamanya “The Komuni Pertama” dipamerkan di Barcelona.

Setahun kemudian, dia melukis ” Sains dan Amal ” dan mendapat kehormatan disebutkan di Madrid pada pameran denda nasional seni dan medali emas dalam kompetisi di Malaga. Dia penting untuk dicatat bahwa pada saat itu dia hanya 16 tahun. Dengan bantuan keuangan dari pamannya dia pindah ke Madrid untuk belajar di Royal Akademi San Fernando , tetapi segera memutuskan itu pergi ke Prado museum lebih penting daripada mengambil kelas seni, jadi dia keluar dari Royal Academy. Kunjungannya ke museum menjadi sangat penting dalam periode pertama karirnya, karena seperti banyak seniman modern lainnya, Picasso punya “periode klasisisme” ketika dia mencoba meniru gaya master lama.

Pada tahun 1898, Picasso kembali ke Barcelona untuk alasan medis. Kepindahannya kembali ke Barcelona akan mengubah dirinya kehidupan dengan berbagai cara. Dia mulai sering ” The Four Cats ” kafe populer di kalangan seniman dan intelektual. Di sana ia bertemu dengan para seniman Modernisme Spanyol gerakan, seperti Santiago Rusiñol , dan pelukis seperti Carlos Casagemas .

Dia juga bertemu seseorang yang akan menjadi salah satu sahabatnya dan sekretarisnya, penyair Jaime Sabartés . Suasana baru membuat artis muda meninggalkan gaya klasiknya dan memulai periode pencarian dan menemukan pengalaman baru dalam karirnya. Selama periode ini, Picasso mengungkapkan idenya bahwa seorang mahasiswa seni seharusnya tidak wajib mengikuti sekolah yang sudah berdiri, tetapi harus bebas untuk mengeksplorasi gaya dan idenya sendiri. Pencarian ini untuk perubahan menyebabkan kerusakan dalam hubungannya dengan nya orang tua yang tidak dapat menerima minatnya pada seni modern.

Pada tahun 1900, selama masa pencarian ini, Picasso pindah ke kota yang merupakan pusat seni utama, Paris, di mana dia membuka studio di bohemian Montmartre Tempat. Pedro Manach menawarkan kontrak pertama Picasso (150 Franc per bulan). Gambar pertama yang dia lukis di Paris adalah ” Le Moulin de la Galette ” di mana seseorang bisa perhatikan bahwa gaya Picasso telah berubah dan dia telah pergi gaya klasiknya di belakang.

Di sini kita bisa melihat perubahan subjek materi (sekarang kehidupan malam di Paris) dan dalam penggunaan warna dan sapuan kuas (warna lebih cerah dengan gambar yang tidak jelas, seperti gambar yang diambil saat orang sedang bergerak). Dalam hubungan kepada Picasso orangnya, saya dapat menambahkan bahwa meskipun dia mapan dirinya di Paris, ia terus melakukan perjalanan bolak-balik ke banyak tempat di Eropa (khususnya Spanyol), menunjukkan salah satu merek dagangnya: tidak pernah menetap di tempat tertentu sambil hidup gelisah untuk sebagian besar hidupnya.

Karier Picasso terdefinisi dengan baik oleh periode yang berbeda. Antara 1901 dan 1906 dia bekerja di bawah periode “biru dan mawar” . Picasso menggunakan warna biru dan merah muda yang hampir eksklusif dalam lukisannya. Ada semacam kesedihan dalam dirinya bekerja, karena bunuh diri pelukis Casagemas pada tahun 1901.

Pada tahun 1904 Picasso bertemu dengan seorang model yang sudah menikah bernama Fernande Olivier dan mereka menjadi sepasang kekasih. Hubungan mereka berlangsung selama kurang lebih tujuh tahun. Mereka biasa pergi ke sirkus Medrano tempat Picasso mendapatkan idenya untuk sirkusnya tema. Picasso sering mengunjungi bar ” Le Lapin Agile ” di mana dia bertemu dengan para penyair Guillaume Apollinaire dan Max Yakub . Fakta yang menarik adalah bahwa Picasso digunakan lukisannya sebagai pembayaran untuk layanan di bar.

Pada tahun 1905 dia menambahkan warna pink dan mawar, beberapa nuansa kuning dan juga warna abu-abu. Sosoknya juga menjadi lebih halus dan masuk akal. Pada tahun 1906 Picasso sudah mampu menjual sebagian besar “masa mawar” nya pekerjaan, yang membantunya menyelesaikan masalah keuangannya. Di tahun yang sama, dia bepergian dengan kekasihnya Fernande ke Spanyol, di mana dia melukis ” La Toilette .” Dia juga mulai bekerja dengan bentuk geometris.

Periode berikutnya adalah antara 1907 dan 1917. Periode ini sangat penting tidak hanya seperti Picasso (serta Braque karir ), tetapi juga sebagai satu salah satu gaya seni paling berpengaruh di zaman kita. Itu disebut Kubisme. Lukisan kubis pertama adalah “Les Demoiselles d’ Avignon”.

Lukisan pada tahun 1907, selama “periode negro”. milik Picasso daya tarik untuk topeng dan patung Afrika adalah inspirasi untuk sebagian besar periode ini. Dia bercampur primitif seni dan gayanya sendiri dan menciptakan Kubisme. Gaya baru ini juga sangat kontroversial di antara orang-orang. Beberapa suka itu beberapa membencinya.

Teman Picasso, George Braque, mulai berkolaborasi dengan dia dalam karya kubisme. Pada tahun 1908 kedua seniman itu sadar mereka telah melukis gambar yang serupa tetapi secara keseluruhan cara independen satu sama lain. Kubisme dibagi menjadi dua periode. Pertama, itu ” analitis kubisme ” di mana tidak ada penggunaan pusat perspektif dan menggunakan pemisahan bentuk.

Picasso sang artis menjadi jenius yang hanya bisa dibandingkan dengan sedikit manusia. Dia menghargai seni tidak hanya dengan miliknya gaya kreatif dan unik, tetapi juga dengan banyaknya lukisan, gambar, dan patung yang dia hasilkan. Picasso adalah seorang bermasalah, eksentrik, pria bermasalah yang tidak pernah bisa menetap dengan wanita atau tempat tempat tinggal, mungkin apa yang bisa kita sebut “semangat bebas”.

Picasso, pria itu, juga seorang aktivis. Dia berjuang untuk perdamaian sampai hari-hari terakhirnya. Namun, betapapun bermasalahnya Picasso, pria itu dibayangi oleh seninya sendiri. Selain itu, meskipun mungkin tidak seperti karya-karyanya, tidak dapat disangkal bahwa tanpa Picasso, seni modern dan dunia akan jauh lebih miskin, itulah mengapa saya memutuskan untuk menulis tentang salah satu artis favorit saya sepanjang masa, Pablo Picasso yang unik.

Memahami Seni Absurd Michael Cheval

Memahami Seni Absurd Michael Cheval – Menyebut sebuah karya seni “absurd” bisa diartikan sebagai penghinaan, tapi tidak bagi Michael Cheval , yang senang mempersembahkan karya seni yang membalikkan kenyataan.

Memahami Seni Absurd Michael Cheval

Melody of Rain (2015), Michael Cheval

allisonschulnik – Cheval dianggap sebagai master seni ” Absurdist “. Ini tidak berarti itu tidak masuk akal atau bodoh. Sebaliknya, ia mendefinisikan Absurdisme sebagai gaya dan filosofi yang menunjukkan sisi realitas yang terbalik yang menyandingkan hal-hal yang seharusnya tidak ada bersama dalam gaya yang realistis untuk mengajak orang memandang kehidupan secara berbeda.

“Absurditas, seperti genre lainnya, memiliki aturannya sendiri. Tapi itu menyiratkan segala sesuatu yang berada di luar aturan dan batasan umum, ”katanya. “’Absurdisme’ adalah upaya untuk memahami hidup kita sebagaimana adanya. Tanpa propaganda, ideologi, politik, dan selera yang dipaksakan.”

Pengaruh artistik terbesar Cheval adalah surealis Salvador Dali dan Rene Magritte. Namun, Cheval tidak menganggap dirinya surealis, karena idenya berasal dari imajinasi, bukan mimpi atau alam bawah sadar. Dia juga mendapat pengaruh dari penulis seperti Lewis Carroll dan Edward Lear , keduanya dia sebut sebagai “bapak absurditas”.

Setiap karya Cheval memiliki cerita atau makna tersembunyi di baliknya. Inspirasi di balik tema-tema ini biasanya diambil dari literatur, terutama buku-buku filosofis dan sejarah. Metafora yang terbentuk di kepalanya menciptakan gambar abstrak yang ia terjemahkan menjadi lukisan detail.

Baca Juga : Inilah Lukisan Termahal Di Dunia Saat Ini 

Cheval membandingkan lukisannya dengan teka-teki, menantang pemirsa untuk menemukan makna dan kiasannya. Nama lukisan seringkali menjadi petunjuk pertama sebuah kunci yang mulai membuka misteri.

“Dari judulnya, Anda bisa melompat dengan penjelasan apa pun,” katanya. “Jika Anda memiliki judul dan gambar, itu seperti permainan.”

Fifth Element (2015), Michael Cheval

Saat mengartikan lukisan Cheval, sosok manusia disinggung, sedangkan objek figuratif digunakan sebagai simbol. Sebagai contoh permainan Cheval, amati lukisan “Fifth Element”.

Nama tersebut menyinggung empat elemen tanah, api, angin, dan air, jadi Cheval ingin menggambarkan apa yang dia anggap sebagai elemen kelima. Sosok perempuan mirip badut dalam lukisan itu tampak menyulap bola putih bercahaya yang melayang dan berinteraksi dengan langit. Sementara itu, dia mengenakan jubah yang terbuat dari laut.

Jadi apa elemen kelima? Menurut Cheval, itu adalah bulan karena pengaruhnya terhadap segala sesuatu mulai dari pasang surut hingga logam :

“Apa arti bulan bagi Bumi? Apa teka-teki dan legenda di balik bulan?” dia berkata. “Bulan memiliki begitu banyak pengaruh di Bumi sehingga bisa menjadi elemen kelima.”

Namun, terlepas dari maksud Cheval, dia tidak ingin membatasi pemirsa hanya pada satu interpretasi. Bahkan, ia mendorong audiensnya untuk memberikan makna unik mereka sendiri, yang pada gilirannya melahirkan ide-ide baru dan pemahaman yang lebih tinggi tentang karya seni.

“Orang-orang bersikeras meminta penjelasan, tapi menurut saya sangat keren jika Anda mencobanya sendiri,” katanya. “Saat Anda mengerjakannya sendiri, Anda seperti penulis bersama, itu adalah penulisan bersama. Anda membuat cerita Anda sendiri, dan gambar itu menjadi milik Anda sekarang.

Echo of Misconception” (2015), Michael Cheval

Menyelesaikan sebuah lukisan bisa memakan waktu mulai dari dua minggu hingga lima bulan tergantung pada gambar dan ceritanya. Dia mengatakan setiap detail penting dalam lukisannya, jadi sapuan kuas terkecil pun sangat penting.

“Tujuannya adalah untuk membuat kenyataan lain,” katanya. “Lukisan itu seperti jendela menuju realitas lain, dan tujuan saya adalah membuatnya begitu nyata sehingga orang tidak akan menganggapnya salah.”

Dia mengerti bahwa seni yang absurd bukan untuk semua orang, tetapi bahkan para penentang adalah penyemangat baginya untuk terus melukis.

“Saya telah melihat orang bertindak agresif terhadap pekerjaan saya jika mereka tidak memahaminya dan mereka menjadi agresif,” katanya. “Ini adalah hal yang baik, karena orang tidak hanya melihat dan pergi begitu saja. Bahkan reaksi negatif adalah reaksi.”

Inilah Lukisan Termahal Di Dunia Saat Ini

Inilah Lukisan Termahal Di Dunia Saat Ini – Anda tidak pernah bisa benar-benar memberi harga pada karya seni, tetapi ada pengecualian. Beberapa karya seni terbaik dapat ditemukan di museum dan koleksi pribadi sebagai salah satu dari jenisnya.

Inilah Lukisan Termahal Di Dunia Saat Ini

allisonschulnik – Mereka sering dijual dan dibeli dengan harga tinggi yang kebanyakan dari kita tidak akan pernah mampu membelinya. Berikut adalah 10 lukisan termahal di dunia yang kini dianggap mahakarya.

Mona Lisa oleh Leonardo da Vinci

Nilai: $700 juta USD

Pada tahun 1962, Mona Lisa diasuransikan dengan nilai $100 juta USD, tertinggi pada saat itu. Hari ini, biayanya sekitar $700 juta USD, menjadikannya lukisan termahal. Itu seharusnya adalah potret Francesco del Giocondo, istri pedagang kain Florentine,Lisa Gherardini. Untuk melihat lukisan yang tak ternilai harganya ini, pergilah ke Museum Louvre di Paris.

Baca Juga : 10 Lukisan Termahal Yang Pernah Terjual Di Dunia 

Interchange oleh Willem de Kooning

Nilai: $300 juta USD

Seorang investor dana lindung nilai miliarder bernama Ken Griffin memperoleh dua lukisan dari David Geffen yang merupakan seorang pebisnis sukses, pada tahun 2015. Salah satu lukisan yang diperoleh Ken adalah Interchange, yang dilukis oleh Willem de Kooning. Harga lukisan ekspresionis abstrak ini dihitung menjadi $300 juta USD. Saat ini, Tuan Griffin telah meminjamkan lukisan itu ke museum Institut Seni Chicago sehingga siapa pun yang ingin melihat mahakarya ini dapat melakukannya.

Nafea Faa Ipoipo oleh Paul Gauguin

Nilai: $300 juta USD

Nafea Faa Ipoipo dibuat oleh Paul Gauguin yang melakukan perjalanan ke Tahiti pada tahun 1891 ketika dia terinspirasi oleh negara dan para wanitanya. Lukisan itu menggambarkan dua wanita duduk di antara lanskap warna-warni emas, hijau dan biru. Karya seni yang bagus ini dijual dalam penjualan pribadi pada tahun 2015 dengan harga sekitar $300 juta USD, sama dengan Interchange, menjadikannya karya seni termahal yang pernah dijual. Dipercayai bahwa lukisan itu sekarang dimiliki oleh keluarga kerajaan Qatar, namun belum ada yang dikonfirmasi.

Card Players oleh Paul Cézanne

Nilai: $250 juta USD

Pemain Kartu adalah bagian dari lukisan lima seri yang diproduksi oleh Paul Cézanne pada tahun 1892-93. Sebagian besar lukisannya dipamerkan di koleksi museum terkenal dunia seperti Musée D’Orsay di Paris dan Courtauld Institute of Art di London. Namun, lukisan ini dijual secara pribadi pada tahun 2011 dengan harga lebih dari $250 juta USD. Selama waktu itu, itu adalah lukisan termahal yang pernah dijual. Kini, lukisan ini dimiliki oleh keluarga kerajaan Qatar.

Nomor 17A oleh Jackson Pollock

Nilai: $200 juta USD

Ken Griffin, yang membeli Interchange juga membeli lukisan ini dengan harga $200 juta USD yang mengesankan. Lukisan itu dibuat oleh Jackson Pollock, seorang ekspresionis abstrak pada tahun 1948. Lukisan tetes yang cantik ini menampilkan warna-warna berani seperti kuning, merah, oranye, biru dengan percikan putih dan hitam. Kunjungi Institut Seni Chicago untuk melihat mahakarya ini.

Nomor 6 (Violet, Hijau dan Merah) oleh Mark Rothko

Nilai: $186 juta USD

Kreasi seni ini digambar oleh pelukis Rusia-Amerika, Mark Rothko di tahun 1951. Itu dilego secara individu dengan harga $186 juta USD di tahun 2014, menjadikan salah satunya lukisan paling mahal yang sempat dilego, pada waktu itu. Itu dibeli dengan seorang miliarder Rusia namanya Dmitry Rybolovlev.

Potret Marten Soolmans dan Potret Oopjen Coppit oleh Rembrandt

Nilai: $180 juta USD

Koleksi dua lukisan ini dibuat oleh Rembrandt pada tahun 1634. Lukisan ini dijual sepasang seharga $180 juta USD kepada keluarga Rothschild. Ketika keluarga Rothschild memutuskan untuk menjual karya-karya ini, dua museum maju untuk membelinya. Sekarang, The Rijksmuseum di Amsterdam dan Louvre di Paris bersama-sama memiliki lukisan-lukisan ini dan secara bergiliran menampilkan karya seni yang berharga ini.

Les Femmes D’Alger (Versi ‘O’) oleh Pablo Picasso

Nilai: $179,3 juta USD

Lukisan karya Pablo Picaso ini menampilkan tampilan warna-warni dari bentuk dan sudut geometris yang terinspirasi dari lukisan orientalis. Itu dijual dengan harga $ 179,3 juta USD yang mengesankan di lelang Christie pada Mei 2015. Picaso membuat 15 versi berbeda dari lukisan ini sepanjang karirnya dan dia menyelesaikan versi terakhir pada tahun 1955. Pembeli lukisan ini tetap anonim tetapi, beberapa percaya itu dengan mantan Perdana Menteri Qatar, Hamad bin Jassim bin Jabar Al Thani.

Nu couché oleh Amedeo Modigliani

Nilai: $170,4 juta USD

Nu couché, juga dikenal sebagai ‘Reclining Nude’, dilukis oleh seniman Italia bernama Amedeo Modigliani pada tahun 1917-18. Ini menampilkan seorang wanita telanjang berbaring dengan latar belakang merah gelap. Ini adalah karya Modigliani yang paling terkenal yang juga merupakan salah satu lukisan termahal yang pernah dijual. Itu dibeli oleh seorang miliarder bernama Lui Yiqian yang mendirikan dua museum pribadi di Shanghai, pada 9 November 2015 seharga $170,4 juta USD.

No.5, 1948 oleh Jackson Pollock

Nilai: $164 juta USD

Ini adalah lukisan klasik yang dibuat oleh Jackson Pollock, yang menampilkan garis-garis organik dengan tetesan merah, kuning, biru, abu-abu dalam berbagai corak. Itu dijual secara pribadi kepada seorang pengusaha bernama David Geffen pada November 2006 seharga $ 140 juta USD, yaitu sekitar $ 164 juta USD hari ini. Konon karya seni ini kemudian dibeli oleh pemodal swasta Meksiko bernama David Martinez dari Geffen namun belum ada yang mengkonfirmasi informasi tersebut.