Karya Allison Schulnik Dipamerkan di Event Yang Berjudul Ducks Yang Dibuat Oleh Ryan Travis Christian – Akhir bulan lalu, “Ducks,” sebuah pertunjukan grup yang dikuratori oleh Ryan Travis Christian menampilkan 99 seniman mengejutkan yang membuat karya tentang burung tituler, dibuka di Greenpoint Terminal Gallery di tepi pantai Brooklyn.

Karya Allison Schulnik Dipamerkan di Event Yang Berjudul Ducks Yang Dibuat Oleh Ryan Travis Christian

 Baca Juga : Pameran The Woman Destroyed Yang Menampilkan Karya Allison Schulnik

allisonschulnik – Ada banyak hal yang bisa dilihat: lebih dari 100 karya berpusat pada bebek bergantung pada ilustrasi lucu, kolase dan lukisan diatur dalam kelompok seperti kawanan di tujuh dinding, dengan seni tambahan yang dipajang di ruang studio galeri. Contoh kecil dari artis yang berpartisipasi: Tyson dan Scott Reeder, Ben Jones, Morgan Blair, Taylor McKimens, Austin Lee, Matt Leines, Allison Schulnik, Brian Belott, Michelle Blade, dan Jacob Ciocci.

“Saya hanya secara acak membuat sekelompok bebek, karakter kartun,” kata James Ulmer menjelaskan karyanya. Itu disebut Bebek . “Aku baru saja memiliki sekelompok pria bebek di sekitar.”

Judul karya seniman Milwaukee dan galeris John Riepenhoff tahun 1996 Wood Duck from Memory oleh Bob Riepenhoff sedikit keliru. Menurut kurator, Riepenhoff menembak dan menunggangi seekor burung saat remaja dengan bantuan mendiang ayahnya, tetapi ketika menggali potongan itu di rumah orang tuanya, dia terkejut menemukan bahwa apa yang dia ingat sebagai bebek sebenarnya adalah burung pegar. . Terlepas dari taksonomi, karya ini adalah bagian pedesaan dari taksidermi pemula yang kehadiran pahatan dan pesona barat tengah atas dengan baik mengimbangi lukisan yang mengelilinginya.

Di tempat lain, Brian Belott dengan nakal membawa seekor kucing ke pertunjukan bebek, menunjukkan gambar kecil seekor kucing yang dengan senang hati beristirahat di sudut kanan bawah dinding yang dipenuhi bebek. Belott agak menebus kelalaian tematiknya di ruang belakang galeri, menunjukkan empat gambar grafit di atas kertas yang tidak terlalu banyak gambar bebek karena itu adalah representasi dari kata bebek, dicoret beberapa kali di dalam serangkaian kotak seperti denah lantai miring.

Secara alami, ada banyak permainan kata-kata bebek di sekitar ruangan. “Apakah Anda memiliki semua bebek Anda berturut-turut?” artis Melissa Brown bertanya kepada Taylor McKimens, yang menyumbangkan gambar bebek kecil ke pertunjukan. Ketika dimintai komentar, McKimens memberikan tanggapan satu kata: “dukun.”

Pertunjukan itu muncul ketika direktur Greenpoint Terminal, Brian Willmont, bertanya kepada Travis Christian apakah dia punya ide untuk sebuah pertunjukan. “Dan dia berkata, ‘Saya mendapat beberapa ide bagus dan beberapa ide bodoh,’” kenang Willmont. “’Salah satu ide bodohku adalah bebek.’” Beberapa hari berlalu dan Willmont bertanya lagi, tapi Travis Christian tak tergoyahkan. “Sudah kubilang, bebek,” dia mengulanginya kepada Willmont.

“Gadis saya dan saya pindah ke pinggiran kota Chicago baru-baru ini dan kami tinggal di sungai,” kata Travis Christian. “Jadi, sepanjang hari saya melihat bebek dan mereka membuat saya marah.” Dia menunjuk Eddie Martinez, Allison Schulnik, dan Joyce Pensato sebagai seniman yang telah membuat karya berbasis bebek yang menginspirasi, dan menghormati representasi klasik Chuck Jones tentang Daffy Duck.

Travis Christian menganggap “Bebek” sebagai eksperimen sosial. “Menurut pendapat saya, ada beberapa bau busuk di sini,” akunya, tapi itu hampir tidak penting—inklusivitas adalah kuncinya. “Ini sampai pada titik di mana (media sosial) orang-orang seperti, ‘Bisakah saya berada di pertunjukan bebek,’ dan itu seperti, ‘Tentu, mengapa tidak.’” Dia menambahkan: “Maksud saya, secara logistik ini adalah mimpi buruk. .”

“Ducks” akan melakukan perjalanan ke Los Angeles tahun depan, dan akan ada tambahan 80 hingga 100 artis yang tampil di tempat yang ukurannya sama dengan Greenpoint Terminal. “Itu hanya menjadi berantakan. Segalanya mulai berantakan,” katanya, terdengar positif dan realistis sekaligus, sebelum menyimpulkan bahwa, “Saya hanya ingin hal-hal ini menjadi besar.”

Pameran The Woman Destroyed Yang Menampilkan Karya Allison Schulnik – The Woman Destroyed , yang saat ini ditampilkan di Galeri PPOW, mengambil tema pengorganisasian buku Simone de Beauvoir 1967 dengan judul yang sama, yang terdiri dari tiga cerita yang mengeksplorasi krisis pribadi wanita paruh baya dan lanjut usia. “Semua karakter ini telah membentuk identitas mereka di sekitar rasa kebenaran moral, kebaikan,” kata seniman Robin F. Williams, salah satu seniman yang tampil dalam pameran tersebut. “Mereka semua berbicara tentang keaslian, pengorbanan yang mendalam, tidak mementingkan diri sendiri, dan kesetiaan kepada keluarga mereka. Beauvoir membawa kebajikan itu ke kesimpulan logis mereka dan menciptakan wanita-wanita ini yang, dengan niat terbaik, dengan sengaja menghapus diri mereka sendiri. Ini hampir merupakan kisah peringatan. Anda bisa menjadi begitu ‘baik’ sebagai seorang wanita dengan mengikuti semua ‘aturan’ sehingga suatu hari nanti Anda terlambat menyadari bahwa aturan itu dirancang untuk melenyapkan Anda.”

Pameran The Woman Destroyed Yang Menampilkan Karya Allison Schulnik

allisonschulnik – The Woman Destroyed adalah judul yang sangat erat untuk sebuah pameran, karena menunjukkan tema yang berkaitan dengan feminitas dan dekonstruksi tubuh perempuan dalam konteks sejarah seni. Ini juga merupakan judul terkemuka, yang memengaruhi ekspektasi mereka yang mengetahui buku suram Beauvoir. Saya mengantisipasi bahwa karya dalam pertunjukan itu akan gelap dan sepi, menangkap keresahan mental yang ekstrem mungkin dengan mendekonstruksi atau memutarbalikkan posisi seni-historis perempuan. Harapan saya terbukti sebagian besar tidak benar; sebagian besar pekerjaan mencapai kepositifan yang mengejutkan melalui pemberontakan, menemukan cara untuk menumbangkan beban sosial yang terkait dengan kewanitaan.

Jessica Stoller bekerja di porselen, bahan dengan sejarah kekaisaran yang juga menunjukkan lingkungan feminin. Tiga bagiannya di The Woman Destroyed adalah permainan sugestif dan lucu pada patung porselen murni. Dalam “Untitled (weave)” (2015), sebuah keranjang berisi ular duduk di atas dasar cermin, bokong wanita cantik. “Untitled (gather)” (2016) menampilkan tiga sosok wanita yang diposisikan di sebelah pohon tandus, dikelilingi oleh buah-buahan dan sayuran. Dua wanita mengangkat gaun mereka untuk memperlihatkan tubuh telanjang mereka di bawahnya; yang ketiga, telanjang, berjongkok dengan posisi merangkak. Dalam “Untitled (slip)” (2016), payudara seorang wanita ditutupi dengan permen tumbuk; mungkin dia benar-benar jatuh ke tampilan makanan penutup. Potongan-potongan ini adalah kebalikan dari malu – pelanggaran masing-masing figur terletak baik dalam menumbangkan harapan kepatutan atau kitsch imut yang terkait dengan materi artis dan dalam menyarankan seksualitas yang terang-terangan. “Bahan yang saya gunakan (porselen) terkait dengan rayuan, konsumsi, dan keinginan, Stoller memberi tahu Hyperallergic. “Sebagai seorang wanita kulit putih cis, saya adalah produk dan kritikus ide-ide feminitas, dan patung yang saya buat menggunakan gagasan aneh untuk menjelajahi dunia yang dibangun dan sering diidealkan ini.”

Judul dari dua lukisan figuratif Robin F. Williams, “In the Gutter” (2015) dan “Bag Lady” (2016), mengacu pada stereotip wanita yang tertindas dan berperilaku buruk. Tuduhan “di selokan” dan moniker “wanita tas” memiliki konotasi kesalahan dan rasa malu, tetapi tokoh-tokoh dalam lukisan Williams tidak memilikinya. Seorang wanita muda bersandar ke belakang di atas selokan parut, meletakkan sikunya di trotoar di belakang. Dia telanjang tetapi dilengkapi dengan sepatu hak emas, ikat pinggang emas, dan kacamata hitam pinggul. Dia melayang di atas selokan, tidak cukup “di” itu. Ada sebuah rumah di latar belakang, tetapi pemandangannya terlihat sebagian besar tidak berpenghuni. Karakter memohon untuk backstory imajinatif. Mungkin dia seorang gadis remaja di kota kecil yang berpikir tentang apa arti dan tampilan “di selokan”: Apakah itu termasuk menjual diri sendiri? Menjadi terang-terangan seksual? Memperoleh kekayaan — ditandai di sini dengan aksesori emas — dengan harga seksualitas seseorang? Dan di mana “talang” yang telah diperingatkannya? Yang dia bayangkan adalah, secara harfiah, sistem drainase parut di jalannya — sentuhan naif. Sosok dalam “Bag Lady” juga memperumit, bahkan mungkin menjungkirbalikkan, stereotipnya. Dia memakai kacamata hitam, merokok, dan memakai kantong kertas cokelat di atas kepalanya seperti mode hipster. “Saya ingin membuat lukisan wanita yang tidak bisa dipahami,” kata Williams kepada Hyperallergic. “Aku ingin membuat wanita yang bukan Vessel.” sistem drainase parut di jalannya — sentuhan kenaifan. Sosok dalam “Bag Lady” juga memperumit, bahkan mungkin menjungkirbalikkan, stereotipnya. Dia memakai kacamata hitam, merokok, dan memakai kantong kertas cokelat di atas kepalanya seperti mode hipster. “Saya ingin membuat lukisan wanita yang tidak bisa dipahami,” kata Williams kepada Hyperallergic. “Aku ingin membuat wanita yang bukan Vessel.” sistem drainase parut di jalannya — sentuhan kenaifan. Sosok dalam “Bag Lady” juga memperumit, bahkan mungkin menjungkirbalikkan, stereotipnya. Dia memakai kacamata hitam, merokok, dan memakai kantong kertas cokelat di atas kepalanya seperti mode hipster. “Saya ingin membuat lukisan wanita yang tidak bisa dipahami,” kata Williams kepada Hyperallergic. “Aku ingin membuat wanita yang bukan Vessel.”

Direktur PPOW Anneliis Beadnell telah melakukan pekerjaan yang sangat baik dalam memilih seniman yang karyanya berkaitan dengan tema pameran dengan cara yang jelas dan halus. Cetakan digital Lauren Kelley dan video pendek stop-motion menggunakan Barbie yang dimodifikasi untuk menceritakan kisah tentang kewanitaan yang sedih, lucu, nyata, dan menyentuh. Karya Elizabeth Glaessner lebih mengarah ke abstrak; dalam bentuk dan posisi figurnya dan dalam penggunaan warna, orang dapat melihat referensi penggambaran perempuan dalam karya Courbet, Gauguin, dan Matisse. “Bukan materi atau genre yang mengkaji ide-ide seperti gender dan feminisme, melainkan gambaran total yang dilukiskan,” jelasnya kepada Hyperallergic.“Ketika saya melukis dunia, skenario, situasi, perempuan dan figur gender-fluid, mereka berada di luar konsepsi normal masyarakat.” “Centaurette in Forest” (2015) karya Allison Schulnik juga berada di antara kiasan dan abstrak; karakter utamanya adalah seksual, aneh, dan sangat menawan. Karya David Mramor adalah yang paling jelas suram. Serangkaian inkjetnya dicetak di atas kanvas, Venus, menggambarkan seorang wanita dalam profil tiga perempat, tetapi gambarnya dicat, dicoret, dan dihitamkan. Sosok itu adalah ibunya, yang menderita alkoholisme. Serial ini “bercerita tentang siapa dia,” kata Mramor kepada Hyperallergic. “Saya mulai membuat cerita dan kenangan baru tentang apa yang dia inginkan dan apa yang dia inginkan.” Dalam satu gambar, wajah Mramor sendiri menggantikan wajah ibunya. “Saya mencoba untuk berhubungan dengannya,” jelasnya. “Saya mencoba untuk terhubung ke feminin. Di mana satu jenis kelamin dimulai dan yang lainnya berakhir?”

Bergantung pada sudut pandang seseorang, gender saat ini lebih banyak berubah dan kategori yang sangat kaku seperti sebelumnya. Di kalangan liberal, seringkali masih menjadi bagian dari identitas dan ekspresi seseorang tetapi mungkin tidak selaras dengan jenis kelamin seseorang; di kalangan konservatif, gender tetap biologi sejauh kamar mandi umum harus dijaga untuk mencegah penyimpangan dari keselarasan ini. Di seluruh dunia, jenis kelamin perempuan menghadapi tingkat kekerasan yang tinggi — mutilasi alat kelamin, pernikahan paksa, kekerasan dalam rumah tangga, pemerkosaan, dan pembunuhan demi kehormatan adalah hal biasa — dan Amerika Serikat tidak terkecuali . Transgender Amerika, khususnya wanita trans kulit berwarna, menghadapi tingkat kekerasan kebencian yang sangat tinggi. Sementara buku Beauvoir tahun 1967 mendefinisikan gender perempuan secara sempit, sebagai perempuan cis, frustrasi, keterbatasan, dan kemarahan yang ia tangkap tetap sangat relevan. Pengalaman mengidentifikasi diri sebagai seorang wanita, terlepas dari jenis kelaminnya, datang dengan beban yang terus-menerus berat. (Belum lagi ketidaksetaraan yang muncul dengan menjadi artis wanita — tolong, baca beberapa statistik di sini .)

The Woman Destroyed adalah pertunjukan rumit yang memuaskan, menampilkan seniman yang terlibat dengan momen sosiohistoris dan dengan gender dengan cara yang menghindari kesederhanaan. Pameran ini bukanlah yang pertama bergulat dengan tema-tema ini, dan tentunya tidak akan menjadi yang terakhir.

Wawancara dengan Allison Schulnik – Allison Schulnik dengan senang hati mengeksplorasi psikologi manusia melalui warna jenuh dan tekstur yang kaya. Seniman secara konsisten menghasilkan karya memukau yang menggabungkan bentuk lukisan, patung dan animasi, menciptakan tubuh karya yang berbicara kepada multiplisitas media melalui setiap manifestasi. pendiri DailyServing Seth Curcio berbicara dengan artis tentang praktik artistiknya yang beragam termasuk animasi terbarunya, Forest , yang dibuat sebagai video musik terbaru untuk band indie rock Grizzly Bear yang berbasis di Brooklyn , dan pameran terbarunya Home for Hobo at Mark Galeri Mooredi Los Angeles. Dan tetap disini! Setiap hari Senin, kami akan membawa Anda selangkah lebih dekat ke artis internasional baru melalui seri wawancara mingguan baru kami, membiarkan Anda mengetahui rahasia artis favorit Anda dan proyek mereka yang akan datang.

Wawancara dengan Allison Schulnik

 Baca Juga : Allison Schulnik Berpartisipasi di Pameran Seni Kontemporer “Penderitaan dari Realitas”

Seth Curcio: Anda baru saja menyelesaikan pameran dengan sukses besar di London, Roma, dan New York City. Anda juga memiliki pameran karya-karya baru yang sedang dipamerkan di Galeri Mark Moore di Los Angeles berjudul, Rumah untuk Hobo . Pameran ini terus mengeksplorasi keadaan emosi yang berbeda melalui protagonis badut batak Anda. Bisakah Anda ceritakan sedikit tentang apa yang termasuk dalam pameran?

Allisonschulnik: Ini sedikit dari dunianya. Dia punya rumah, tempat perlindungannya. Ada Rug Girl, Possum, dan Klaus… teman dan sahabat, mungkin alter ego dan bizarros.

SC: Dalam pameran ini, beberapa karakter berbeda muncul dalam lukisan, patung, dan animasi Anda, banyak di antaranya baru saja Anda sebutkan. Sebagian besar, jika tidak semua, terulang kembali di tubuh Anda yang lain dari pekerjaan Anda juga. Bagaimana Anda memutuskan karakter khusus ini, dan apakah mereka dibuat sepenuhnya dari imajinasi atau apakah mereka didasarkan pada sesuatu yang khusus?

AS: Mereka datang dari tempat yang berbeda. Kebanyakan mereka berasal dari gambar yang saya lakukan. Kadang-kadang saya mendapat inspirasi dari sebuah foto atau lukisan atau patung atau film atau tarian atau lagu lain, kemudian saya menggambar itu atau sesuatu yang terinspirasi oleh itu, dan itu menjadi sesuatu yang lain. Terkadang saya hanya menggambar dari imajinasi saya. Seringkali selama berbulan-bulan, bahkan bertahun-tahun saya akan memiliki gambar atau karakter yang terus-menerus muncul kembali kepada saya dan tidak tahu mengapa, sampai terbukti cukup penting untuk diabadikan dalam minyak. Kemudian, saya masih tidak tahu mengapa saya melukisnya. Suatu hari saya mungkin akan mengetahuinya.

SC: Video animasi Forest, yang juga ditampilkan di Galeri Mark Moore, digunakan sebagai video musik Ready, Able untuk band Grizzly Bear yang berbasis di Brooklyn. Ini adalah video kedua yang Anda buat yang menggunakan lagu Beruang Grizzly, namun yang ini menjadi video musik resmi mereka. Bicaralah dengan saya tentang bagaimana kolaborasi ini dimulai. Bagaimana video itu dibuat dan apa yang terjadi?

AS: Saya meminta izin mereka untuk menggunakan lagu mereka Granny Diner di film terakhir saya, HOBO CLOWN . Mereka menyetujui dan setahun kemudian mereka meminta saya untuk membuat video musik untuk album berikutnya, Veckatimest. Saya setuju. Mereka memberi saya lagu itu, dan saya membuat film animasi untuk itu. Ini adalah jenis narasi abstrak, jika ada. Ini mengikuti karakter Hobo Rambut Panjang melalui dunia tipe alternatif, Hutan, di mana ia bertemu dengan versi dunia yang aneh dari dirinya sendiri. Kemudian hal-hal mulai terjadi..

SC: Animasinya tampak seperti perpaduan alami dari lukisan dan pahatan Anda, dan musik Grizzly Bear benar-benar menambahkan elemen berbeda pada karya tersebut. Apakah ada kolaborasi lain yang serupa dengan ini yang ingin Anda jelajahi? Saya tahu bahwa Anda bermain di beberapa band, apakah Anda pernah mempertimbangkan untuk membuat musik Anda sendiri untuk animasi masa depan?

AS: Ya, saya memiliki beberapa band dalam pikiran yang sangat ingin saya ajak bekerja sama. Saya juga ingin membuat musik untuk film saya berikutnya, daripada menggunakan sesuatu yang sudah ada. Saya telah berpikir untuk melakukan beberapa suara dan musik sendiri juga, tapi itu mungkin bukan ide yang baik.

SC: Mengetahui bahwa Anda adalah seorang pelukis, pematung, animator, penari dan musisi yang rajin, dan dengan melihat segudang karya yang terdaftar di situs web Anda dan jadwal pameran Anda, tampaknya Anda adalah seniman yang sangat produktif. Seperti apa hari rata-rata untuk Anda di studio?

AS: Begitu saya masuk ke studio, saya tinggal di sana sepanjang hari, terkadang sepanjang malam. Saya suka privasi. Aku duduk dan banyak menatap. Saya suka ngemil, dan melihat-lihat barang. Saya menemukan hal-hal kecil yang aneh untuk dilakukan. Terkadang lukisan datang dengan cara yang sangat terkonsentrasi. Kemudian, kadang-kadang disertai dengan tarian dan nyanyian yang menggebu-gebu. Saya memakai beberapa lagu Babs yang bagus, beberapa Angel Witch yang epik , beberapa atmosfer doomy metal, atau mungkin sedikit Peabo Bryson … itu hanya tergantung pada suasana hati saya. Tapi, musiknya selalu keras. Saya tidak punya komputer atau TV di studio, karena penundaan melibatkan hal-hal semacam itu. Saya hanya tidak memiliki metode apa pun yang dapat saya andalkan. Satu hal bekerja satu hari, dan tidak bekerja pada hari berikutnya. Saya berubah-ubah dengan rentang perhatian yang pendek.

SC: Sepertinya Anda masih bisa menyelesaikan banyak pekerjaan bahkan dengan rentang perhatian yang pendek. Apa yang kamu kerjakan di studio sekarang? Dan, proyek apa yang ada di cakrawala untuk Anda?

AS: Yah, saya baru saja menyelesaikan semua pekerjaan saya untuk pertunjukan ini, jadi saya istirahat sebentar. Akan membiarkan beberapa ide muncul di kepala saya sebentar… Anda hanya perlu menunggu dan melihat!

Allison Schulnik Berpartisipasi di Pameran Seni Kontemporer “Penderitaan dari Realitas” – “Dokter bilang aku yang paling sakit / Karena aku menderita dari kenyataan.”

Allison Schulnik Berpartisipasi di Pameran Seni Kontemporer “Penderitaan dari Realitas”

 Baca Juga : Sihir dan ilusi Glamor Allison Schulnik 

allisonschulnik – Ketika Denise Markonish pertama kali mendengar kalimat ini dalam hit Jay-Z dan Kanye West 2011, “N—– in Paris,” frasa “menderita dari kenyataan” melekat padanya. Kurator senior Museum Seni Kontemporer Massachusetts dan direktur pelaksana pameran cukup tertarik dengan kata-kata itu sehingga dia memutuskan untuk membangun pertunjukan di sekitar mereka.

“Saya sedang memikirkan pertunjukan tentang representasi, tentang bagaimana seniman merepresentasikan tubuh, bagaimana gagasan tentang tubuh semakin menjadi semakin rumit,” kata Markonish pada hari Rabu saat tur “Penderitaan dari Realitas,” sebuah pameran kelompok di Gedung 4 lembaga North Adams yang akan dibuka Sabtu, 13 April. Ini menampilkan seniman Anthony Aziz dan Sammy Cucher, Cassils, Adriana Corral, Joey Fauerso, Jeffrey Gibson, Hayv Kahraman, Jennifer Karady, Titus Kaphar, Robert Longo, Christopher Mir, MPA, Wangechi Mutu, Allison Schulnik, Keith Sklar, Robert Taplin dan Vincent Valdez.

Prosesi patung Corral dan Valdez, “Requiem,” akan secara resmi menandai pembukaan pertunjukan pada hari Sabtu itu. Beberapa pembawa selubung akan membawa gips elang seukuran manusia ke dalam galeri. Musisi, termasuk Valdez pada terompet, akan menemani mereka, membangkitkan pemakaman jazz New Orleans.

“Inilah inti dari keseluruhan pertunjukan ini,” kata Markonish. “Ini tentang berkabung atas Amerika yang kami pikir kami tahu.”

Pada hari Rabu, Corral sedang bekerja di ruang di mana elang pada akhirnya akan beristirahat, mengawasi pekerjaan debu dan pengecatan yang dilakukan di dinding kering yang memiliki tanggal numerik yang diukir di dalamnya. Seniman yang berbasis di Houston ini sering memasukkan pengumpulan data ke dalam karyanya, dan untuk karya ini, dia meminta orang-orang dari berbagai latar belakang untuk mengirimkan tanggal yang penting secara pribadi atau historis. Dia menggunakan 243 kiriman dari seluruh negeri, mengacu pada 243 tahun di AS.

“Ini seperti sejarah untuk rakyat, oleh rakyat,” katanya tentang ukiran dinding. “Yang saya suka adalah ingatan kolektif dari orang-orang yang belum tentu kita dengar.”

Para peserta juga mengirimkan teks yang menjelaskan pilihan mereka. Ketika Corral selesai mendokumentasikan tanggal dan tanggapan, dia membakar materi. Dia dan Valdez menggunakan abunya untuk melapisi elang perunggu, yang sedang berbaring telentang. Sosok yang hangus itu sangat kontras dengan dinding putih di sekitarnya.

Valdez, yang terkenal, di antara karya-karya lainnya, lukisannya tentang anggota Ku Klux Klan di “The City I”, ingin mengubah penggambaran elang dua dimensi menjadi patung. Lukisan “Dream Baby Dream” seniman Houston juga akan dipamerkan di galeri. Mereka fokus pada peserta pemakaman Muhammad Ali.

“Dia melihat itu sebagai momen di mana orang-orang dari semua ras dan semua denominasi berkumpul untuk meratapi aktivis ini,” kata Markonish.

Pilihan kurator untuk pameran kelompok ini juga mewakili berbagai pengalaman dan identitas Amerika.

“Ketika saya pertama kali mulai mengerjakan pertunjukan, itu mungkin lebih internasional,” kata Markonish. “Tetapi ketika pemilihan [presiden AS 2016] terjadi, dan ketika segalanya mulai menjadi jelas, saya tahu itu pasti pertunjukan Amerika. Ini tentang tempat ini, dan tentang bagaimana seniman menghadapi dan menghadapi momen ini.”

Karya Kaphar bertujuan untuk menonjolkan sejarah yang terabaikan. Banyak pengunjung Mass MoCA baru-baru ini menghargai karya Gedung 6 miliknya, “Bahasa yang Terlupakan,” yang menyinggung Sally Hemings melalui patung Thomas Jefferson. Sekarang mereka juga dapat melihat karya dari seri yang sama. “Monumental Inversions: George Washington” adalah ukiran gambar presiden AS pertama yang menunggang kuda. Kaca yang ditiup dengan tangan membakar kayu. Beberapa gelembung kaca cocok dengan patung aslinya; yang lain beristirahat di sampingnya. Karya penerima hibah “jenius” MacArthur juga mengomentari perdagangan budak Washington dengan memasukkan molase, rum, dan barang-barang lain yang diterima pemimpin dalam pertukaran.

“Pembalikan Monumental ada sebagai ketidakhadiran atau kesan pahlawan nasional yang dikosongkan dari mitologi dewa mereka. Mereka mencerminkan implikasi positif dan negatif dari kehidupan manusia fana ini,”

Dua lukisan dari seri “Melihat Melalui Waktu” akan digantung di dekatnya. Kaphar melukis dua kanvas untuk masing-masing. Kanvas “bawah” adalah potret seorang wanita kulit hitam kontemporer. Kanvas lainnya adalah lukisan bersejarah seorang tokoh bule. Kaphar memotong potret Kaukasia.

“Gambar semacam ini mewakili klise yang sangat lama,” kata situs web Kaphar. “Dalam konteks lukisan abad ke-19, sebagian besar karakter kulit hitam memainkan, paling banter, peran sekunder dalam komposisi. Gambar prototipikal orang kulit hitam adalah sebagai budak atau pelayan, di luar area penting yang diterangi.”

Di seberang ruangan, pengunjung galeri akan melihat potret diri bergaya Kahraman yang menyatukan berbagai karya dan referensi selebriti dan seksualitas. Berjalan kaki singkat kembali ke tangga pintu masuk pameran akan membawa pengunjung ke empat patung Taplin dari karakter Punch Commedia dell’Arte. Dalam potongan plester hampir 9 kaki, Punch membuat pengakuan, melambangkan, dalam arti tertentu, Amerika.

“Dia harus banyak meminta maaf,” kata Markonish, Taplin memberitahunya.

Bergerak menuju pameran Building 5 Trenton Doyle Hancock, “Mind of the Mound: Critical Mass,” pemirsa akan menemukan representasi Mutu dari bagian-bagian tubuh yang terpotong-potong.

“Mereka berbicara tentang kekerasan yang terjadi pada tubuh perempuan,” kata Markonish.

Di seberang jalan, foto-foto sinematik Karady tentang veteran perang AS di Irak dan Afghanistan menggambarkan pemandangan yang membangkitkan konflik di dalam rumah. Misalnya, di salah satu foto, ada lubang peluru di lemari es, dan sekaleng makanan terlihat seperti meledak.

“Bagi banyak tentara ini, ini menjadi cara [berbeda] untuk berbagi cerita dengan keluarga mereka,” kata Markonish tentang serial tersebut.

Gibson, yang pada akhirnya akan mengadakan pertunjukan solo di Gedung 5, mengambil dari identitas penduduk asli Amerikanya untuk pemasangan pakaian. Jenis instalasi lain — video — adalah hal yang umum untuk pertunjukan. Klip pembakaran tubuh gerak lambat Cassils, misalnya, akan menarik banyak perhatian.

Film menginspirasi Markonish selama kurasinya. Setelah dia menonton film dokumenter Adam Curtis 2016, “HyperNormalisation,” dia mulai berpikir tentang bagaimana manusia “dibius” terhadap korupsi. Namun, dalam apa yang disebut kurator sebagai pertunjukan politiknya yang paling terbuka, fokusnya adalah pada apa yang “nyata”.

“Saya pikir di era berita palsu dan kebenaran dan semua itu,” katanya, “penting untuk memikirkan apa arti sebenarnya bagi Anda.”